Atelier de Melusine

 ALCHEMY / ALCHIMIE

December 06 2024 - March 03 2025

Part 1 - Behind the Veil / Derrière le voile
06/12/24 - 06/01/25

Artists
Sally ANNETT - ATELIER MELUSINE
Christianne CANDRIES - ATELIER MELUSINE
Rhianne EVANS / Rhiartsy - Lune Bleue

Alchimie Partie 1
“Derrière le voile” est la première de trois expositions sur le thème de l'alchimie.
La deuxième, “Transformation”, ouvrira ses portes le 17 janvier 2024 au 20 rue Montebello, suivie en février par “Harmonie” pour compléter le trio d'expositions. Chaque exposition progresse à travers les médias artistiques, de la peinture à l'huile aux œuvres numériques et basées sur Internet, en utilisant le processus alchimique comme métaphore du processus créatif.

Film
TOL. 1 . Made from Stars
Annett. 2024. 12mins 28 secs.
https://youtu.be/5TYmmbbYjII

Derrière le voile » jette un regard laïque sur les mystères du divin féminin à Noël, en associant des approches mythopoétiques, scientifiques et linguistiques par le biais de la peinture, de la gravure, de la photographie, du film et du textile. Sur deux sites, le 10 rue du Vieux Pont et le 20 rue Montebello, à Montmorillon, les expositions abordent les légendes, les récits de Noël et le concept de parthénogenèse et d'accouchement comme source réelle de la « pierre philosophale » magique, dans une perspective pluridisciplinaire.
Activités : L'exposition contiendra des événements interactifs, immersifs et participatifs. Derrière le voile, vous pouvez venir faire lire votre tarot pour la nouvelle année ou profiter d'une méditation guidée à la lumière des bougies.

Horaires d'ouverture de l'exposition
Du jeudi au samedi de 14h00 à 17h00 et sur rendez-vous.

Pour de plus amples informations, n'hésitez pas à nous contacter.
L'entrée est gratuite.

ALCHEMY P1
‘Behind the Veil’ is the first of 3 exhibitions around the theme of ‘Alchemy’, the second, ‘Transformation’ opens on 12/01/2024 at 20 Rue Montebello followed in February by ‘Harmony’ to complete the trio of shows. Each show progresses through artistic media from oil painting through to digital and internet-based works using the alchemical process as a metaphor for the creative process.

‘Behind the Veil’ takes a secular look at the mysteries of the divine feminine at Christmas, conflating mythopoetic with scientific and linguistic approaches through the mediums of expanded painting, printmaking, photography, film and textiles. Across two venues, 10 Rue du Vieux Pont and 20 Rue Montebello, Montmorillon, the exhibitions work with legends, Christmas narratives and the concept of parthenogenesis and childbirth as the real source of the magical ‘philosopher’s stone’, from a multidisciplinary perspective.
Activities : The exhibition will contain interactive and immersive, participatory events; ‘Behind the Veil’ you can come and have your Tarot read for the new year or enjoy a candlelight guided meditation.

Exhibition opening times
Thursday – Saturday 14.00 – 17.00 and by appointment.
For further information and images do not hesitate to contact us.
Entrance is free.

ANNETT : Peinture, Photographie
CANDRIES : Sculpture
www.atelierdemelusine.com

Derrière le voile
Les voiles sont des filtres
Des abstractions
Tout comme le langage et tout comme l'œil et le cerveau sont des filtres abstrayant le monde qui nous entoure tel qu'il est réellement.

Caché à la vue de tous
Un bébé de Noël - Une histoire de la Nativité

Le monde chrétien célèbre le 25 décembre, l'ancienne date des Saturnales, juste après la fête de l'équinoxe du milieu de l'hiver dans l'hémisphère nord, sous le nom de « Noël ». Il s'agit de la naissance du « fils de Dieu », « Jésus-Christ », un enfant de sexe masculin sur lequel beaucoup de choses ont été écrites et spéculées par la suite, des guerres ont été menées en son nom et sa parole vivante a été interprétée par des milliers d'hommes, morts depuis longtemps, dont beaucoup ne l'ont pas connu.
C'est la (re)naissance du Messie, du Christos ou du Logos qui est au cœur de ce mythe. L'annonce et la naissance du Christos font partie d'un mythe de parthénogenèse pérenne.
La « mère de Dieu » (Jésus Christ), connue auparavant sous de nombreux noms, a une tante/cousine qui était également enceinte, mais d'aucun homme, et son enfant était Jean-Baptiste, qui va ensuite baptiser (initier, ordonner, enseigner) Jésus, de sorte qu'il y a clairement un héritage ou une fonction familiale et matrilinéaire qui est décrite.
L'événement de la naissance virginale est déconstruit de différentes manières ; l'une d'entre elles décrit un état de fait surnaturel ; « Dieu le Père », sans corps, a fécondé Marie par l'intermédiaire du « Saint-Esprit », sans qu'aucun rôle masculin ou humain ne soit joué dans ce scénario. Il s'agit d'une métaphore d'un processus magique (Dieu étant déjà un concept magique, il n'a pas besoin d'autre « preuve »). D'autres explications fournissent des parallèles allégoriques, mais il n'est jamais question de « réalité », toujours comme un événement métaphorique ou magique qui est arrivé à la femme, et non comme quelque chose qu'elle a fait physiquement : créer la vie sans l'homme.
Il n'est jamais pris au pied de la lettre comme une référence à la capacité parthénogénétique des vertébrés femelles, qui est de plus en plus fréquente chez les reptiles et les mammifères, contrairement à ce que l'on pensait auparavant.
Un conte de fées ? Ou peut-être un point de rencontre entre la science et la doctrine théologique ?
Il est curieux que la célébration chrétienne de l'équinoxe de printemps de Pâques, qui suit Noël et concerne la mort et la résurrection du Christ, soit considérée comme une fête de la fertilité, représentant la nature cyclique de la naissance et de la mort, à la fois littéralement et métaphoriquement, ainsi que spirituellement.
L'histoire de Noël ne devrait-elle pas être prise à ces trois niveaux, dans tous les aspects de l'histoire de la naissance ?

Elle (Marie) donne naissance au Christos sans partenaire physique masculin. Le Christos, parfois appelé Logos, est présent dans l'Ancien Testament, comme l'un des « êtres » à l'origine de la création, qui joue un rôle messianique et qui, par conséquent, se réincarne sans cesse. Logiquement, la mère de Dieu donne naissance à « lui » (le Christos peut également être féminin) à plusieurs reprises au cours des époques.
Il existe des parallèles narratifs entre le mythe chrétien de la résurrection et le concept de réincarnation d'autres religions mondiales, ainsi qu'avec les nombreux récits de création de l'humanité, qui découlent de naissances virginales, et l'on peut supposer que c'est parce qu'il sous-tend une compréhension plus ancienne des cycles de la nature et des étoiles, un mouvement constant en cercle ou en spirale, dans lequel le féminin est apriori.
Comme tant d'autres avatars, aspects et significations féminins, il a été déguisé par de multiples traductions et une dissimulation délibérée.
Un voile.
Dans son livre « Ancestor's Tale », Richard Dawkins décrit clairement sa compréhension actuelle des archives fossiles et des arbres évolutifs de nos ancêtres et indique clairement qu'il n'y avait pas de mammifères ou de marsupiaux mâles jusqu'à il y a 300 millions d'années, et que nous pouvons attribuer à une mutation génétique chez un ornithorynque femelle, peut-être due à un changement environnemental, la production d'une progéniture mâle.
Le premier « père », et non le premier père.
Il semble que l'énormité de ce fait soit dramatiquement passée sous silence dans tous les domaines académiques, et que les filles n'apprennent absolument rien à ce sujet. Les merveilles du corps féminin sont un peu plus présentes dans l'esprit du public depuis que l'on a trouvé des bénéfices dans les placentas et les maladies menstruelles pour le prélèvement de cellules souches.
Mais très peu de gens réalisent que tout était féminin, d'abord et ensuite pendant des millions d'années, que le chromosome Y est une mutation génétique. On le dit souvent avec humour, mais les implications n'ont jamais été sérieusement discutées dans l'histoire de la science, de la religion, de la politique ou des études religieuses de la vie.
La nature est « mère ».

Le fait que la certitude et la durée du concept de « naissance virginale » n'aient pas été supprimées de ce dogme chrétien clé et de celui de tant d'autres, suggère son importance fondamentale et notre manque potentiel de compréhension de ce qui nous est transmis. Marie, traduite de Migdaloth/Miriam/Mara, est le grand océan cosmique d'où provient toute vie, elle donne naissance à une fille qui, à son tour, donne naissance à un fils. Comme Lilith, qui est la porteuse de toutes les semences créatives et la testeuse de rabbins, et non la meurtrière de bébés, son histoire a été modifiée, mal interprétée. Elle est trop importante pour être éradiquée alors qu'une religion en engendre une autre, elle est cachée à la vue de tous, son identité est une métaphore passive, dépouillée de son pouvoir, elle est montrée inexpérimentée, se mariant pour la sécurité, vulnérable - pourtant, les traditions orales et vivantes ne peuvent la perdre, elle est la créatrice, celle qui donne la vie.
Pendant des centaines, voire des milliers d'années, on a dit aux femmes qu'elles ne pouvaient pas être prêtres, on les a qualifiées d'immondes et de sales et on les a rendues responsables de la création du péché, alors qu'elles n'ont été créées qu'à partir d'une partie minime du sexe masculin, une côte de rechange ( !), plus tard dans le temps.
Il semblerait que l'histoire réelle ait été inversée, que les histoires et les rôles des sexes aient été échangés.
À l'ère de la science, où les échelles du pouvoir (de la Maât) ont changé, on ne nous enseigne toujours pas les faits fondamentaux, ils ne sont jamais entièrement révélés, ils sont obscurcis, mais il reste impossible de les oblitérer. Ils sont si bien voilés que nous, les femmes, ne nous connaissons même plus nous-mêmes.
Les anciens dieux, Isis, les sept mères hindoues, Hestia, Asherah, Hera, Frigg, Hathor, Rhea Silvia, Ghia, Demeter, Shahmeran, Nut et Mary sont assis, dans la pierre, et allaitent les fils sans père de Dieu, Jésus, Attis, Horus, Osiris, Krishna, Dionysius, Mithras, Romulus et Remus, et tant d'autres, et en théorie, ils sont tous des fils de Dieu.
Ce qui est décrit est d'ordre archétypal, surnaturel, une sagesse pérenne.

Les œuvres
Annett a commencé la série de peintures voilées en 2017 avec « Don't Do that John “, un portrait de Marie (mère de Dieu) et d'Élisabeth (mère de Jean-Baptiste dans cette version) tenant un enfant de sexe masculin, mais elles sont comme Mélusine et Ève, trahies et serpentées ” à partir de la taille “, faisant référence à des déesses encore plus chthoniennes, après avoir travaillé sur le projet ” Snakes and Ladders », financé par l'Arts Council England, qui a examiné les rôles culturels des artistes, prêtres et scientifiques contemporains et leurs bases de pouvoir culturel changeantes.
Les peintures font suite à plusieurs corpus de collages photographiques, numériques et physiques, « The Hands » et « Walks with a Magic Mirror », et explorent les histoires, les récits et les documents à travers les disciplines. Les études doctorales d'Annett portent sur la Mélusine, déesse du serpent proto indo-européenne, qui, comme Ève et la Méduse, est trahie.
C'est exactement la même chose que Llyn Y Fan Fach dans l'œuvre d'Evans.

Dans cette exposition, nous rencontrons plusieurs versions de Mélusine et de Lilith aux côtés de Sari, la femme d'Abraham, d'une Gorgone, d'un singe, d'un enfant et d'un cerf. Il y a un loup ivre, un lit de plumes géant et un baptême moderne dans un château roumain. À la porte, Luther est réduit au silence par l'index de l'artiste. Cette exposition contient de nombreuses histoires, certaines publiques et d'autres privées, certaines légendaires, d'autres banales, mais toutes contiennent des femmes qui attendent d'être entendues et vues.
Les peintures sont voilées pour de nombreuses raisons - la métaphore du voile, l'esthétique multicouche où le figuratif est estompé par l'abstrait et le minimal, où la forme rencontre la couleur pure. Elles sont voilées parce qu'elles demandent un dialogue, que le spectateur s'avance et s'engage intimement dans les peintures, la surface, l'imagerie, l'odeur, l'échelle, qu'il entre. Ils sont masqués physiquement, comme le sont les mythes et les légendes dans le temps. Levons le voile pour essayer de trouver un peu de clarté - pour voir ce qui est caché à la vue de tous.

Annett 2024

Behind the Veil
Veils are filters
Abstractions
Just as language is and just as the eye and the brain are filters abstracting the world around us as it truly is.

Hidden in plain sight
A Christmas Baby – A Nativity storyThe Christian world celebrates the 25th of December, the old date for Saturnalia, just after the midwinter equinox festival in the Northern Hemisphere, as ‘Christmas'.
It focuses; the birth of the 'son of god', ‘Jesus Christ(os)’ a male child about whom much has subsequently been written and speculated, wars have been waged in his name and his living word interpreted by thousands of men, long dead, many of whom did not know him.
It is the (re)birth of the Messiah or Christos or Logos which is central to this myth.
However, one curious, but very important part of the story is that this is a virgin birth, the annunciation and birth of the Christos are all part of a perennial parthenogenesis myth.

Mary's ('mother of god' (Jesus Christ(os)), previously known by many names, has an aunt/cousin who was also pregnant, by no man, and her child was John the Baptist, who goes on to baptise (initiate, ordain, teach) Jesus, so there is clearly a familial, matrilinial heritage or function being described.
This virgin birth event is deconstructed in various ways; one describes a supernatural state of affairs; ‘God the Father’, in a bodiless form, impregnated Mary through the ‘Holy Spirit’ with no male, human part played in this scenario. It is a metaphor for some magical process (God already being a magical concept this does not need any further ‘proof’.) Other explanations provide allegorical parallels, but it is never discussed as ‘real’, always as a metaphorical or magical event that happened to the woman, not as something she physically did; create life without the male.
It is never taken literally as a reference to the parthenogenetic ability of female vertebrates, which is more and more common in reptiles and mammals than previously thought.
It is a fairytale? Or perhaps a point where science and theological doctrine meet?

It is curious that the Christian Spring Equinox celebration of Easter, which follows Christmas, is concerned with the death and resurrection of Christ, is considered a fertility festival, representing the cyclic Nature of birth and death, both literally and metaphorically as well as spiritually.
Surely the Christmas story should be taken at all three levels, at every aspect of the birth story? She (Mary) births the Christos without a male physical partner. The Christos, sometimes called Logos, is present in the Old Testament, as one of the ‘beings’ which brings about Creation and has a messianic role and therefore is reincarnated again and again. Logically the mother of God gives birth to ‘him’ (the Christos may also be feminine) repeatedly throughout the epochs. 
There are narrative parallel between Christian resurrection myth and the concept of reincarnation of other global religions, as well as with the many creation stories of humanity, which spring from virgin births, and it could be assumed that it is because it underlies an older understanding of the cycles of Nature and the stars, a constant circling or spiraling movement, in which the feminine is apriori.
As with so many other feminine avatars, aspects and meanings it has been disguised through multiple translations and deliberate concealment.
A veiling.
Richard Dawkins in his book the ‘Ancestor’s Tale’ clearly describes his current understanding of the fossil record and the evolutionary trees of our ancestors and is clear that there were no male mammals or marsupials until as recently as 300 million years ago, we can blame a genetic mutation in a female platypus, possibly driven by environmental change, for producing a male offspring.
The first ‘father’, not the father first.
It seems that the enormity of this fact is dramatically undiscussed across all academic fields, girls are absolutely not taught this. The wonder of the female body is a little more so in the public eye now that profit has been found in placentas and menstrual diseases for the harvesting of stem cells.
But very few people realise that everything was female, first and then for millions of years, that the Y Chromosome is a genetic mutation. It is often said in humour, but the implications never seriously discussed in the history of Science, Religion, Politics or Religious Studies of life.
Nature is ‘Mother’.

That the certainty and duration of the concept of ‘virgin birth’ has not been removed from this key Christian dogma and that of so many others, would suggest its fundamental importance and our potential lack of understanding of what is being relayed to us. Mary translated from Migdaloth/Miriam/Mara is the great cosmic ocean out of which all life comes, she births a daughter who then births a son. Like Lilith, who is the bringer of all creative seeds and the tester of Rabbi’s, not the murderer of babies, her story has been changed, misinterpreted.
She is too important to be eradicated as one religion engorges another, she is hidden in plain sight, her identity a passive metaphor, robbed of her power, she is shown inexperienced, marrying for security, vulnerable - yet the oral and living traditions cannot lose her, she is the creatrix, the giver of life.
Women have been told they cannot be priests for hundreds sometimes thousands of years, they have been called foul and filthy and blamed for the creation of Sin, whilst at the same time only being created from a minimal part of the masculine, a spare rib (!) later in time.
It would seem the real story has been flipped, the histories and roles of the sexes swapped.
In an age of science where the scales of power (Of Maat) have shifted we are still not taught the basic facts, they are never fully revealed, they are obscured, but it remains impossible to obliterate them. They are veiled so well, we women no longer even know ourselves.
The old gods; Isis, The Seven Hindu mothers, Hestia, Asherah, Hera, Frigg, Hathor, Rhea Silvia, Ghia, Demeter, Shahmeran, Nut and Mary sit, in stone, breastfeeding the fatherless sons of god;  Jesus, Attis, Horus, Osiris, Krishna, Dionysius, Mithras and Romulus and Remus and so many more and in theory, they are all sons of god.
What is being described is of an archetypal, supernatural order a perennial wisdom.

The works

Annett started the series of veiled paintings in 2017 with ‘Don’t Do that John’ a portrait of Mary (mother of God) and Elizabeth (mother of John the Baptist in this version)  holding a boy child, but they are like the Melusine and Eve, betrayed and serpent ‘from the waist down’ referencing even more chthonic goddesses after working on the Arts Council England funded project ’Snakes and Ladders’ which examined the cultural roles of contemporary Artists, Priests and Scientists and their shifting cultural power bases.
The paintings follow on from several bodies of photographic digital and physical collage works, ‘The Hands’ and ‘Walks with a Magic Mirror’ and explore histories, stories and documents across disciplines. Annett’s doctoral studies focus on the Melusine, as the proto Indo-European serpent goddess, who like Eve and the Medusa are betrayed.
In exactly the same way that Llyn Y Fan Fach is in the work of Evans.
In this exhibition we meet several versions of the Melusine and Lilith alongside Sari, the wife of Abraham, a Gorgon, a monkey, a child and a deer. There is a drunken wolf, a giant feather-bed and a modern day christening in a Romanian castle. At the door Luther is silenced by the forefinger of the artist. There are many stories in this exhibition, some public and some private, some legendary, some mundane but all contain women waiting to be heard and seen.
The paintings are veiled for many reasons – the metaphor of the veil, the multi-layered aesthetic where the figurative is blurred by the abstract and minimal, where form meets with pure colour. They are veiled because they are asked for dialogue, for the viewer to step forward and intimately engage with the paintings, the surface, the imagery, the smell, the scale, step in. They are obscured physically, as are the myths and legends in time. Let us lift the veil to try to find a little clarity – to see what is hidden in plain sight.
Annett 2024 

RHIARTSY
www.rhiartsy.com

“Creating is more than just a process – it’s like a portal.
When I paint, it’s as though I’m stepping into myself, revealing a mirror that reflects my soul. My art is something I create in solitude, where I feel safe, grounded, and free to explore. But the hardest part is always sharing it with the world.

I began my creative journey as a photographer and later as a crochet artist, with a particular focus on portraits. I’ve always been drawn to faces. Portraits feel so intimate, as though they hold a piece of someone’s truth, and that’s a thread that’s run through all my work, no matter the medium. Painting, though, felt like forbidden fruit – something I wasn’t sure was mine to touch. For years, I avoided it, But deep down, I knew it was my veil – a barrier I’d shrouded myself in to stay hidden, even from myself. Behind the Veil is deeply personal to me. It’s about finally shedding that shroud and stepping into the unknown. This exhibition is a mix of my crochet work but mostly my paintings, marking my first fearless step into this new chapter. This is my invitation for you to join me – to step beyond the veil and witness the alchemy of self-discovery, vulnerability, and divine femininity.”
Evans 2024

”La création est plus qu'un simple processus - c'est comme un portail. Lorsque je peins, c'est comme si j'entrais en moi-même, révélant un miroir qui reflète mon âme. Je crée mon art dans la solitude, là où je me sens en sécurité, enracinée et libre d'explorer. Mais le plus difficile est toujours de le partager avec le monde.

J'ai commencé mon parcours créatif en tant que photographe, puis en tant qu'artiste du crochet, avec un intérêt particulier pour les portraits. J'ai toujours été attirée par les visages. Les portraits sont si intimes, comme s'ils contenaient une partie de la vérité de quelqu'un, et c'est un fil conducteur dans tout mon travail, quel que soit le support. La peinture, cependant, me semblait être un fruit défendu - quelque chose que je n'étais pas sûre de pouvoir toucher. Pendant des années, je l'ai évitée, mais au fond de moi, je savais que c'était mon voile - une barrière dans laquelle je m'étais enveloppée pour rester cachée, même de moi-même. Behind the Veil m'est profondément personnel. Il s'agit de se débarrasser enfin de ce linceul et de s'aventurer dans l'inconnu. Cette exposition est un mélange de mon travail au crochet mais surtout de mes peintures, marquant mon premier pas sans peur dans ce nouveau chapitre. Je vous invite à vous joindre à moi, à franchir le voile et à assister à l'alchimie de la découverte de soi, de la vulnérabilité et de la féminité divine.”
Evans 2024

Derrière le voile :
Par Rhianne Evans

Une exposition de Sally Annett.
Annett travaille sur ce projet depuis 2017, et maintenant, sept ans plus tard, elle partage sa vision avec le monde.
Le chiffre sept a quelque chose de particulier. Que Sally l'ait choisi intentionnellement ou non, il semble significatif. Dans la Bible, le sept est un chiffre sacré : Dieu a créé le monde en six jours et s'est reposé le septième. Le sept représente la complétude, les cycles, dans de nombreuses doctrines religieuses, les sept cieux et les enfers, les sept séphires, les sept grâces et les sept péchés capitaux. Ce lien ajoute une couche de mystère à son travail, comme si cette exposition était le résultat d'un processus créatif profond, prêt à être dévoilé.

Une œuvre à laquelle je reviens sans cesse est « Don't Do That, John » (Ne fais pas ça, John). Cette peinture s'inspire de l'œuvre de Léonard de Vinci « La Vierge et l'enfant avec sainte Anne », une œuvre célèbre laissée inachevée et ouverte à l'interprétation. Annett semble reprendre l'imagerie là où Léonard s'est arrêté, en offrant sa propre perspective. Dans sa version, Sainte Anne berce sa fille-serpent, Marie, qui s'occupe du jeune Jean-Baptiste en tenant un agneau sacrifié. Au début, je n'ai pas pu m'empêcher de me concentrer sur la queue du serpent. Son rôle familier dans les récits bibliques la représente comme un symbole de trahison. Cela m'a semblé troublant, surtout si l'on se réfère à Marie, qui est souvent représentée comme pure et nourricière. Mais en commençant à réfléchir aux autres significations du serpent, en particulier à son lien avec le mythe de Mélusine, sa signification a changé. Mélusine, comme Marie dans cette peinture, est à la fois humaine et d'un autre monde, une figure de mystère et de transformation. Les serpents et les dragons sont des créatures profondément symboliques : ils représentent le renouveau et la renaissance, perdant leur peau pour repartir à zéro. Chez certaines espèces, les serpents peuvent se reproduire sans mâle. Marie, en tant que mère de Jésus, a donné la vie sans partenaire masculin. Grâce à l'utilisation du serpent par Sally, à cette peinture et aux autres tableaux de l'exposition, qui comprend également plusieurs représentations de Mélusine, il est moins question de trahison que de création, de transformation et de pouvoir féminin. Le titre, « Don't Do That, John », ajoute encore à la complexité de l'œuvre. Il peut être interprété de différentes manières, mais ici, il semble profondément maternel, la simple phrase que les mères utilisent pour un enfant, en particulier dans cette histoire. Dans la tradition chrétienne, le baptême de Jésus par Jean est un moment charnière, qui marque le début du voyage de Jésus vers le sacrifice et la mort, ainsi que son propre martyre. Le titre me fait penser à l'instinct d'une mère qui protège ou châtie son enfant - il s'agit peut-être de l'appel tacite de Marie à faire une pause, à arrêter les événements qui conduiront finalement à leur mort à tous les deux. C'est un rappel qu'au-delà de l'histoire divine, il y a aussi l'histoire humaine d'une mère et de son fils, remplie d'amour, de peur et de perte.

Le travail d'Annett donne au spectateur l'occasion de lever le voile, l'invitant à interpréter chaque pièce à sa manière. En mêlant mythes, religion et réflexion personnelle, elle explore le divin féminin et vous encourage à regarder plus profondément, en découvrant des liens que vous n'auriez peut-être pas vus auparavant.
Rhianne Evans 2024

Behind the Veil
By Rhianne Evans
On paintings by Sally Annett.

Sally Annett has been working on this project since 2017, and now, seven years later, she’s sharing her vision with the world.
There’s something particular about the number seven. Whether Sally chose it intentionally or not, it feels significant. In the Bible, seven is a sacred number - God created the world in six days and rested on the seventh. Seven represents completeness, cycles, in many religious doctrines, the seven heavens and hells, the seven sephira and the seven grace and seven deadly sins. This connection adds a layer of mystery to her work, as if this exhibition is the result of a deeply creative process, ready to be unveiled.
One piece I keep returning to is ‘Don't Do That, John’. This painting plays with Leonardo da Vinci’s ‘The Virgin and Child with Saint Anne’, a work famously left unfinished and open to interpretation. Annett seems to pick up the imagery where Leonardo left off, offering her own perspective. In her version, Saint Anne cradles her serpent-daughter, Mary, who tends to the young John the Baptist holding a sacrificial lamb. At first, I couldn’t help but focus on the serpent tail. Its familiar role in biblical stories, represents it  as a symbol of betrayal. It felt unsettling, especially tied to Mary, who is often depicted as pure and nurturing. But beginning to think about the serpent’s other meanings, particularly its connection to the Melusine myth its meaning shifted. Melusine, like Mary in this painting, is both human and otherworldly, a figure of mystery and transformation. Serpents and dragons are deeply symbolic creatures: they represent renewal and rebirth, shedding their skin to start anew. In some species, serpents can reproduce without a male, and suddenly, this detail felt significant. Mary, as the mother of Jesus, gave life without a male partner. Through Sally’s use of the serpent, this painting, and the others in the exhibition which includes several depictions of the Melusine as well, it became less about betrayal and more about creation, transformation, and feminine power. The title, "Don't Do That, John," adds another layer of complexity. It can be interpreted in many ways, but here, it feels deeply maternal, the simple phrase mothers use to a child, in this story particularly. In Christian tradition, John baptizing Jesus is a pivotal moment, marking the beginning of Jesus’ journey toward sacrifice and death as well as his own martyrdom. linked so closely to Jesus’ actions. The title makes me think of a mother’s instinct to protect or chastise her child - perhaps it’s Mary’s unspoken plea to pause, to stop the events that will ultimately lead to both their deaths. It’s a reminder that beneath the divine story, there is also a human story of a mother and her son, filled with love, fear, and loss.

Annett’s work gives the viewer a chance to lift the veil, inviting you to interpret each piece in your own way. By mixing myth, religion, and personal reflection, she explores the divine feminine and encourages you to look deeper, discovering connections you might not have seen before.

Rhianne Evans 2024

Rhianne Evans - The Lady of the Lake. Travaux en cours.
Annett 2024

Le travail de Rhianne Evans est tout à fait extraordinaire. Photographe de formation, elle passe d'un média à l'autre avec une précision et une audace exquises, produisant des pièces textiles étendues, principalement au crochet et des textiles tissés. Pour cette exposition, elle a plongé pour la première fois dans la peinture, tant sur le plan métaphorique que thématique. L'exposition en collaboration avec la Galerie Lune Bleue est née de conversations sur la forme féminine mythifiée, la figuration et le portrait contemporains qui sont naturellement dérivés du canon de l'histoire de l'art, mais qui remettent en question les attentes actuelles dans la pratique des beaux-arts. La Dame du lac (un portrait au crochet d'une tête de femme émergeant de l'eau) a lancé les discussions et a occupé une place centrale dans les expositions élémentaires de l'été 2024. Son minimalisme graphique, en noir et blanc, contrasté par une touche de rouge, stupéfie le spectateur. Il est à l'échelle humaine et, malgré le support très texturé, il a un réalisme presque photographique. La figuration contemporaine dans les médias du monde réel célèbre une nouvelle liberté aux côtés des œuvres générées par l'IA, et ce qui est remarquable dans les deux expositions, c'est le rapport que le spectateur a avec une œuvre figurative qui est presque à l'échelle humaine, une tension s'établit immédiatement. Que l'on vous demande d'entrer dans l'œuvre, derrière le voile, ou que l'œuvre échappe aux limites formelles de la toile ou du cadre, cette physicalité vous saisit immédiatement et une connexion s'établit.
Le travail d'Evans autour de la « Dame », Llyn Y Fan Fach, découle d'un désir d'absence pour les vallées galloises, les lacs et les légendes de son ancienne patrie. La compréhension de ces éléments s'est accrue depuis qu'elle en a été éloignée et qu'elle a fait l'expérience des sensations de lieu que le changement de pays peut offrir lorsque l'on est « déraciné ». La Dame du lac est une histoire d'amour entre un homme mortel et une beauté féerique qui lui apporte une richesse et un statut accrus, promis (puis compromis) avec des conséquences et des enfants qui, malgré le départ de leur mère après sa trahison, laissent un héritage important dans la région. C'est presque la même histoire que celle de Mélusine et de tant d'autres histoires d'amour ; un marché et une trahison subséquente de la femme, pas seulement dans les histoires celtiques et gaéliques, mais dans le monde entier, elle est Lamia, elle est la Méduse, elle est la Petite Sirène. Belle et trahie par les hommes mortels, même si c'est par accident.

Les liens entre les œuvres d'Annett et d'Evans, à travers la forme féminine imaginaire, sont évidents. D'autres figures textiles s'arquent ou s'étirent avec des cols de cygne et des formes arabesques dans tout l'espace, les visages émergeant vers le haut, brisant la surface de fils enchevêtrés, semblables à des tentacules, mais l'accent est mis sur le visage. Parsemées dans la galerie, des études pour la Dame du lac, dans la même palette de noir et blanc, avec une chevelure écarlate ou un bonnet rouge (mère), s'étirent vers le haut, en direction d'une surface invisible, comme pour la percer. Au fond de la galerie se trouve une série de photographies d'Evans et de ses filles, baignées et peintes dans la lumière, leurs formes à la fois mises en valeur et obscurcies, fusionnant à nouveau le monochrome et le fluorescent, puis soudainement les peintures. Lors de l'organisation des deux expositions, Evans a décidé, alors que les œuvres étaient accrochées, de peindre à côté des pièces textiles. Elle exprime ici un sentiment de trahison, disant qu'elle a l'impression d'être infidèle au support du fil lorsqu'elle peint, car le processus est si libre et rapide en comparaison ; les erreurs peuvent être rectifiées et modifiées, ce qui ajoute au processus, et elle trouve une liberté et une fluidité impossibles à obtenir avec le crochet. Toutes les peintures de l'exposition ont été réalisées en l'espace d'une semaine, pendant que l'œuvre était accrochée. Il s'agit dans tous les cas de portraits, ce qui nous permet d'avoir un aperçu du processus autant que d'une exposition formelle. Les œuvres peintes vont des visages graphiques, stylisés et auréolés, avec des délimitations noires et des cous allongés, à des examens intimes de la peinture elle-même. L'œuvre la plus remarquable est l'étude d'un visage sortant de l'obscurité dans des tons orangés, verts et bruns, qui rappelle une étude de Rembrandt, ce qui, pour quelqu'un qui n'a jamais peint, est tout simplement extraordinaire. Nous avons le luxe de voir comment un artiste travaille, se met au défi et repousse ses limites.

C'est une exposition vibrante, pleine de mouvement et d'émotion. Evans a travaillé dans l'espace de la galerie, écrivant, dessinant et développant de nouvelles idées, techniques et concepts - voulant trouver des moyens de fusionner les techniques : techniques de machine à mouvement libre, combinaisons de peinture, de textile et de langage, l'exposition est montée mais elle est loin d'être terminée - il y a encore beaucoup à venir !
Annett 2024

Rhianne Evans - The Lady of the Lake Works in Process.
Annett 2024

The work of Rhianne Evans is quite extraordinary. Trained as a photographer, Evans crosses media with exquisite precision and boldness producing expanded textile pieces, primarily crochet and woven textiles and for this exhibition she has plunged metaphorically and thematically for the first time into painting. The collaborative exhibition with the Galerie Lune Bleue emerged from conversations about the mythologised feminine form, contemporary figuration and portraiture which are, naturally derivative of the canon of art history, but which challenge current expectations in fine art practice. The Lady of the Lake (a crocheted portrait of a female head emerging from water) began the discussions and took centre stage in the 2024 summer elemental exhibitions. Its graphic, black and white minimalism contrasted with a splash of red stuns the viewer, it is human in scale and despite the heavily textured media has an almost photographic realism.  Contemporary figuration in real-world media celebrates a new freedom alongside AI generated works, and what is noticeable in both exhibitions is the rapport the viewer has with a figurative work which is almost human in scale, a tension is immediately established. A recognition of some aspect of the human experience, embodied, whether you are asked to enter into the work, behind the veil, or whether the work escapes the formal boundaries of canvas or frame, this physicality captures one immediately and a connection is made. Evans’ work around the ‘Lady’, Llyn Y Fan Fach, stems from a yearning in absence for the Welsh valleys, lakes and legends of her old home. An understanding of which has grown since being away from them and of experiencing the sensations of place which moving countries can offer when one is ‘uprooted’.  The Lady of the Lake is a story of love between a mortal man and fairy beauty who brings him greater wealth and status, promised (then compromised) with consequences and children who then, despite their mother’s departure upon her betrayal, leave an important legacy in the region. It is almost the same story as that of the Melusine, and so many other stories of romance; a bargain and subsequent betrayal of the feminine, not just in the Celtic and Gaelic stories, but the world over, she is Lamia, she is the Medusa, she is the Little Mermaid. Beautiful and betrayed by mortal men, even if accidentally.

The connections between Annett’s and Evans’ bodies of works, through the imaginal female form is clear.  Other textile figures arch or strain with swan necks and arabesque forms throughout the space, faces emerging upwards, breaking the surface from tangled, tentacle-like yarn, the focus however, is on the face. Dotted throughout the gallery are studies for the Lady of the Lake, in the same black and white palette with a bright scarlet splash of hair, or a red (mother) redcap, they stretch upwards, towards an invisible surface as if to break through.
At the back of the gallery are a series of photographs, of Evans and her daughters, bathed and painted in light, their forms both highlighted and obscured, merging the monochrome and fluorescent again, and then suddenly the paintings. When curating the two exhibitions, Evans decided, as the work was being hung to paint alongside the textile pieces, she expresses a feeling of betrayal here – saying that she feels as if she is being unfaithful to the medium of yarn when she paints, as the process is so free and fast in comparison; errors can be rectified and altered adding to the process, and she finds a liberty and fluidity not possible with the crochet. All the paintings in the exhibition were produced in the space of one week, as the work was being hung. All are portraits and we are allowed an insight into process as much as a formal exhibition. The painted works vary from graphic, stylized, haloed faces, with black delineation and elongated necks to intimate examinations of paint itself. The standout piece being a study of a face coming out of the darkness in oranges, greens and browns which is reminiscent of a Rembrandt study which for someone who has never painted is just extraordinary. We are allowed the luxury of seeing how an artist works, challenges themselves and pushes their limits.

It is a vibrant show, full of movement and emotion. Evans has been working in the gallery space, writing and sketching and developing new ideas, techniques and concepts – wanting to find ways to merge the techniques: free motion machine techniques, combinations of paint, textile and language, the show is up but it is nowhere near finished there is so much more to come!
Annett 2024

ALCHEMY P2

TRANSFORMATION
ATELIER MELUSINE - Morgan ANNETT-PARISH