Atelier de Melusine

 Stepping on the Heads of Serpents
(the Exhibition that no body could see)

March 20 - 2020 to June 21 2020
Atelier LIVRESSE D’ART Montmorillon

Annett installed an exhibition of paintings and prints three days before the COVID-19 confinement period began in France and the exhibition finished, officially on Midsummer’s Eve. Although lockdown has been relaxed both the ATELIER MELUSINE and LIVRESSE remain closed to the public, Melusine will reopen on the first of August with the exhibition ‘LOCKDOWN’, but sadly LIVRESSE will stay closed permanently in Montmorillon.

Stepping on the heads of serpents was first shown in La Trimouille as part of the Balades des Artistes 2019 where it comprised a comprehensive retrospective of works by Annett based around ‘tree of life’ symbology. Re-installing the work in a different space however allowed her to bring out her new works on canvas, alongside four major pieces produced over the last quarter century, the ‘Coloured Tree’, “The Queen Scale’, ‘The King Scale’ and ‘Ancestors’. Some of the new works have been painted outside on the top terrace of the atelier on a specially made, free standing, timber frame and can be seen and worked on from both sides. These paintings are not made on walls, but outside in wind and rain and the interplay of light, not just on the surface of the painting, but through it. When Annett brings the paintings inside, the are stapled to walls or paid out on tables and worked into, they all co-exist in physical and temporal space with each other, in close proximity and speak to each other, to Annett they are sentient things. magical beings, they are spells.

”I wanted the visitor to be immersed in the works, as I am when I am painting them, up close, rudely impersonal yet over intimate, taking up much more physical and pyschological space than they should, improbably so. I want people to be able to walk through them, manoeuvre their bodies through the spaces, turn and be surrounded by these emphemeral things, Each one is contained in a rectangle of cream canvas, and this form is echoed in bright, strong, graphic orange on the gallery floor, all the canvases have been taken off their stretchers and hung, on washing lines, like laundry, or sails, they have lost their rigidity yet divide the space forcefully and make you walk, explore, weave and shuffle your un-uniformally bound body through theirs. At the same time I want people to respond with joy and pleasure to the works, to be overwhelmed.”

Annetts uses the paintings themselves to create a pathway or maze for the viewer to weave through, a highly stuctured chemin set against the informality of the floating, weightless images, their only substance, the paint. The classic painterly illusion of the two dimensional surface creating a faux, third dimension is disbanded. The works are very large, bigger than a person, they take up space, on the ceiling and floor as well as the walls and are strung across the natural line of sight and movement in the gallery. You do not just view them, you are in them, as co-occupants of the room. The wall of windows on the right hand side of the gallery as you enter means that from the left of the space the work is only semi-opaque, the forms of others move behind them and the images writhe or jump, the movement of bodies causes slight breezes and eddies and the works ripple. It is slightly disconcerting, the works seem almost alive, the dancing figure is really moving and the form breaking up and reforming infront of you.

The ‘Dining Wolf’, leers down from the ceiling, creating extra right angles in the work where there are none expected. This contrast between hard line and frayed edge, or regular, static form and movement continues out of the works, which use graphic and geometric shapes and Annett’s large slabs of unapologetic colour, free brush work, over laying of paint, collage, repetition, pattern and symbol, it is tremendously high energy, but still some how remains reflective, secret and paradoxically fragile. Perhaps just like Annett herself. Strung across the room in between the large canvases are garlands of prints, also concerned with the various imagined and varying, bright, ‘tree of life’, lino-cuts on multi-coloured papers, which have a votive quality, appropriated from many cultures where the feminine has been driven out of the temple and back into nature.

Annett’s love of nature comes through inevitably in the works, the huge blue vienne skies against the bright greens of may and june, where the chlorophyll reaches psychedellic visual peaks and the heat pulses out of the sky, the influences of De Stael are clear, but also of Martin, openly emulated in the giant semi-transparent landscape that greets you as you round the top of the staricase into the gallery.
The irony is, Annett had wanted to use this show to completely deluge the visitor with the corporeality of painting and imaging. To create a profoundly immersive space in which the guest could spend time in an active dialogical meditation with her work. This has not happened as no one but staff and family have been able to enter the space in three months and Annett herself has been too unwell to set foot in the place.

Marcher sur la tête des serpents
(l'exposition qu'aucun corps ne pouvait voir)

Annett a installé cette exposition de peintures et de gravures trois jours avant la période de confinement de COVID-19 en France et l'exposition s'est terminée officiellement le soir de la Saint-Jean. Bien que le confinement ait été assoupli, l'ATELIER MELUSINE et LIVRESSE restent fermés au public. Melusine rouvrira le 1er août avec l'exposition "LOCKDOWN", mais malheureusement LIVRESSE restera fermé en permanence à Montmorillon.
L'exposition "Marcher sur la tête des serpents" a été présentée pour la première fois à La Trimouille dans le cadre des Balades des Artistes 2019, où elle comprenait une rétrospective complète des œuvres d'Annett autour de la symbolique de ‘l'arbre de vie’. La réinstallation de l'œuvre dans un autre espace lui a cependant permis de faire ressortir ses nouvelles œuvres sur toile, aux côtés de quatre pièces majeures réalisées au cours du dernier quart de siècle, "l'Arbre coloré", "l'Échelle de la Reine", "l'Échelle du Roi" et "les Ancêtres". Certaines des nouvelles œuvres ont été peintes à l'extérieur, sur la terrasse supérieure de l'atelier, sur un châssis en bois spécialement conçu à cet effet, et peuvent être vues et travaillées des deux côtés. Ces peintures ne sont pas réalisées sur les murs, mais à l'extérieur, sous le vent et la pluie, et par le jeu de la lumière, non seulement sur la surface du tableau, mais aussi à travers celui-ci. Lorsque Annett apporte les tableaux à l'intérieur, ils sont agrafés aux murs ou versés sur des tables et travaillés, ils coexistent tous dans l'espace physique et temporel les uns avec les autres, en étroite proximité et se parlent, pour Annett ce sont des choses sensibles, des êtres magiques, ce sont des sorts.

"Je voulais que le visiteur soit immergé dans les œuvres, comme je le suis quand je les peins, de près, impersonnellement grossièrement mais trop intime, occupant beaucoup plus d'espace physique et pyschologique qu'il ne le devrait, invraisemblablement. Je veux que les gens puissent marcher à travers elles, manœuvrer leur corps à travers les espaces, se tourner et être entourés par ces choses emphémères. Chacune est contenue dans un rectangle de toile crème, et cette forme est reprise en orange vif, fort et graphique sur le sol de la galerie, toutes les toiles ont été enlevées de leur châssis et accrochées, sur des lignes de lavage, comme la lessive, ou des voiles, elles ont perdu leur rigidité mais divisent l'espace avec force et vous font marcher, explorer, tisser et traîner votre corps lié de façon non uniforme à travers le leur. En même temps, je veux que les gens réagissent avec joie et plaisir aux œuvres, qu'ils soient bouleversés".

Annetts utilise les peintures elles-mêmes pour créer un chemin ou un labyrinthe dans lequel le spectateur peut se faufiler, un chemin hautement structuré qui s'oppose à l'informalité des images flottantes, en apesanteur, dont la seule substance est la peinture. L'illusion picturale classique de la surface bidimensionnelle créant une fausse troisième dimension est dissoute. Les œuvres sont très grandes, plus grandes qu'une personne, elles prennent de l'espace, au plafond et au sol comme sur les murs et sont accrochées à la ligne naturelle de vue et de mouvement de la galerie. Vous ne vous contentez pas de les voir, vous êtes en elles, en tant que co-occupants de la pièce. Le mur de fenêtres qui se trouve à droite de la galerie lorsque vous y entrez signifie que, de la gauche de l'espace, l'œuvre n'est que semi-opaque, les formes des autres se déplacent derrière elles et les images se tordent ou sautent, le mouvement des corps provoque de légères brises et des remous et les œuvres ondulent. C'est un peu déconcertant, les œuvres semblent presque vivantesm la figure dansante est vraiment en mouvement et la forme se désagrège et se reforme devant vous.

Le "Loup qui mange" se penche du plafond, créant des angles droits supplémentaires dans l'œuvre là où on ne s'y attend pas. Ce contraste entre la ligne dure et le bord effiloché, ou la forme statique régulière et le mouvement se poursuit dans les œuvres, qui utilisent des formes graphiques et géométriques et les grandes dalles de couleur d'Annett, un travail de pinceau libre, sur la pose de peinture, le collage, la répétition, le motif et le symbole, c'est une énergie énorme, mais qui reste encore en partie réfléchie, secrète et paradoxalement fragile. Peut-être tout comme Annett elle-même. Entre les grandes toiles, des guirlandes d'imprimés sont suspendues dans la pièce, qui portent également sur les différents "arbres de vie" imaginés et variés, des linogravures lumineuses sur des papiers multicolores, qui ont un caractère votif, emprunté à de nombreuses cultures où le féminin a été chassé du temple et réintégré dans la nature.
L'amour d'Annett pour la nature transparaît inévitablement dans les œuvres, l'immense ciel bleu viennois contre les verts éclatants de mai et juin, où la chlorophylle atteint des pics visuels psychédéliques et les pulsations de chaleur du ciel, les influences de De Stael sont claires, mais aussi de Martin, ouvertement imité dans le paysage géant semi-transparent qui vous accueille en haut du staricase dans la galerie.

L'ironie de la chose est qu'Annett avait voulu utiliser ce spectacle pour plonger complètement le visiteur dans la corporéité de la peinture et de l'image. Pour créer un espace profondément immersif dans lequel l'invité pourrait passer du temps dans une méditation dialogique active avec son travail. Cela ne s'est pas produit car personne, à part le personnel et la famille, n'a pu entrer dans l'espace en trois mois et Annett elle-même était trop malade pour y mettre les pieds.