Terre

(elements)

Film : Apocalypse : Amaury Blumauld : https://youtu.be/X-GQkTFuMX4

T E R R E 

Terre" est la deuxième exposition de la série consacrée aux quatre éléments proposés par Aristote. La première, "Leau", présentait les œuvres de Burnett-Hall, Donovan et Le Gear, dont les travaux contemplatifs soulignaient la tension entre une dynamique, une puissance sauvage et le contrôle. Une conversation avec les trois aspects élémentaires de l'eau : liquide, solide et gazeux.

Terre", avec des œuvres de Sally Annett, Amaury Brumauld, Sarah Jones et Stephen O'Driscoll, offre un aperçu tout aussi diversifié de l'élément "terre". La terre est plus difficile à cerner en tant que composé chimique simple ou unique. Ses associations les plus anciennes sont chtoniennes et souvent liées à la solidité, à la lourdeur, aux mondes souterrains et à des symboles tels que la maison, le lotus, la charrue et le taureau. Dans cette exposition, nous l'associons directement au paysage et aux corps (humain, animal, végétal, minéral et magique). La terre, contrairement au carbone qu'Anna Denning, dans sa publication de 2019 intitulée "Everyday Science", appelle "le roi des éléments" et qualifie d'"élément promiscuité" puisqu'il se lie à tant d'autres substances chimiques, est un concept plus large qui inclut les substances métalliques et autres tétravalentes.

Le monde de la matière et des solides est le plus dense des quatre mondes et éléments, ce qui se reflète dans la conservation, le choix des matériaux et la taille des œuvres.

‘Terre’, is the second of the series of exhibitions exploring the four elements proposed by Aristotle. The first ‘Leau’ showed the cool-headed works of Burnett-Hall, Donovan and Le Gear, with their contemplative works emphasising the tension between a dynamic ,wild power and control. A conversation with the three, elemental aspects of the water: liquid, solid and gaseous.

Terre’, with works by Sally Annett, Amaury Brumauld, Sarah Jones and Stephen O’Driscoll offers an equally diverse glimpse at the element ‘earth’, ‘terre’. Earth is harder to pin down as a single or simple chemical compound. Its older associations are Chthonic and often linked to solidity, heaviness, subterranean worlds can be linked to symbols such as, the house, the lotus, the plough and the bull. In this exhibition we link it directly to landscape and bodies (human, animal, vegetable, mineral and magical). Earth, unlike carbon which Anna Denning in her 2019 publication ‘Everyday Science, calls it ‘The King of the elements’ as well as labelling it the ’promiscuous element’ since it binds with so many other chemicals – but earth has a broader concept and includes metallic and other tetravalent substances.
The world of matter and solids is the most dense of the four worlds and elements and this is reflected in the curation, material choices and scale of the works.

Annett 2024

Sally Annett
www.atelierdemelusine.com

Annett
La complexité de la matière / The complexity of Matter

Tous les artistes exposés dans "Elements" sont obsédés par les matériaux qu'ils utilisent.
La plupart d'entre eux travaillent sur plusieurs supports : peinture, dessin, gravure, sculpture et céramique. Il s'agit, par nature, d'une pratique obsessionnelle, mais d'une pratique d'amour, d'endurance et de répétition. Chaque pièce est le précurseur de la suivante, soulevant de nouvelles questions et offrant de nouvelles solutions.

Le travail d'Annett provient de plusieurs séries de peintures, avec l'inclusion d'une pièce mixte où l'impression est superposée à la peinture (Red Stone). Les peintures de paysages fonctionnent en parallèle avec la figuration, ce qui lui permet d'osciller entre la pensée très cérébrale et l'action libre, le sens et l'esthétique pure, la liberté et la contrainte. L'œuvre s'inspire du monde réel, mais l'imaginaire est aussi réel que le matériel physique. Les idées de la science (Kastrup, Hammeroff et Carr) et des sciences humaines (Kripal, Halevi et Pope) alimentent les processus internes, tandis que le monde naturel nourrit la création d'images elle-même.
L'exposition n'est qu'une petite partie du catalogue d'Annett. Elle travaille la peinture, l'impression, le film et la photographie, ainsi que la performance en direct. La photographie est transposée dans la peinture dans la série "Dante's Bard", travaillant à partir de doubles expositions de son ami, mentor, astrophysicien et auteur, Colin Low, lors d'une visite en France en mai 2024, créant une atmosphère d'un autre monde à partir d'un processus technique très terre à terre, puis sautant de la photographie à la peinture. Cette fertilisation croisée de l'idée et de la matière est au cœur de la série complète d'éléments, l'un s'écoulant dans l'autre et se complétant, se consumant ou s'éteignant l'un l'autre. Les paysages proviennent des projets en temps réel, sur le terrain et numériques d'Annett, The Scarlet Trail et The Chemin de Fer, où elle s'enfonce dans le monde qui l'entoure, à travers des moyens temporels, historiques et contemporains, ils expriment son amour du lieu et de la nature. Le grand tableau drapé d'un rideau orange fait partie de la série de peintures Veiled, où l'image audacieuse, voire criarde, d'une femme émergeant d'un fou sous la forme d'un Abraxas est recouverte d'un rideau rayé de soie et de filet. Les visiteurs sont encouragés à soulever le voile et à pénétrer dans l'espace directement devant la surface de la peinture, qu'ils touchent presque, ce qui leur permet d'entrer en contact avec l'œuvre de manière très intime et de transformer une partie de la galerie publique en un espace semi-privé. S'il vous plaît, levez le voile.

All the artists exhibiting in ‘Elements’ are obsessed with the materials they use.
Most are working in several mediums, painting, drawing, printmaking, sculpting and ceramics. It is, by nature an obsessive practice, but one of love as well as endurance and repetition. Every piece is the forerunner for the next, raising new questions and offering new solutions.
Annett’s work here comes from several bodies of painted series, with the inclusion of a mixed media piece where print is overlaid with painting (Red Stone).
The landscape paintings function in parallel with the figuration allowing her to oscillate between very cerebral thinking and free action, meaning and pure aesthetics, freedom and constraint.
The work is inspired by the real world, but the imaginary is as real as the material physical. The ideas of science; Kastrup, Hammeroff and Carr and humanities; Kripal, Halevi and Pope feed the internal processes whilst the natural world nourishes the image making itself.
What is shown is a small section of Annett’s catalogue. She works in paint, print, film and photography, as well as live performance. The photography is brought across into paint in the series of ‘Dante’s Bard’, working from double exposures of friend, mentor, astrophysicist and author, Colin Low whilst on a visit to France in May 2024, creating an otherworldly atmosphere from a very worldly, technical process and then leaping from photography into paint. This cross fertilisation of idea and matter is central to the complete series of elements, one flowing into the other and either complementing, consuming or extinguishing the other. The landscapes come from Annett’s real-time, field and digital projects, The Scarlet Trail and The Chemin de Fer where she burrows into the world around her, through temporal, historic and contemporary means, they express her love of place and Nature.
The large painting draped with an orange curtain, is from the Veiled series of paintings, where the bold, even garish image of a woman emerging from a fool in an Abraxas like form is covered with a striped, silk and net curtain. Visitors are encouraged to lift the veil and enter into the space directly in front of, and almost touching, the surface of the painting, Allowing people to encounter the work in a very intimate manner and turning a portion of the public gallery into a semi-private space. Please do lift the veil.

Amaury Brumauld
www.amauryblumauld.com

"Je suis habituellement story boarder et réalisateur de profession.
Ma pratique du dessin est très liée au cinéma. Je dessine principalement à la pierre noire afin de m’approcher encore de la lumière du cinéma comme si chaque image produite était le premier plan d’un film. Je me rappelle aussi que j’ai baigné étant jeune dans les films que mon père projetait à la maison, en pellicule en noire et blanc. J’ai été frappé par la lumière de ces films comme dans « Monika » de Bergman, « L’enfance d’Ivan » de Tarkovski ou bien encore les polars de Jean Pierre Melville.
Au-delà de ces références, j’aime créer de l’étrangeté à travers de la lumière ou des situations comme pour inviter le spectateur à poursuivre son propre film.
C’est avant tout dans ma tête que je vais chercher mes sujets, invitant des ambiances du passé, contemplatives ou des sensations plus contemporaines."

"I'm usually a storyboarder and director by profession, and my drawing practice is very much linked to the cinema. I draw mainly in black stone, to get even closer to the light of cinema, as if each image produced were the first shot of a film.
I remember being immersed as a child in the films my father projected at home, in black-and-white film. I was struck by the light in these films, as in Bergman's “Monika”, Tarkovsky's “Ivan's Childhood” or Jean Pierre Melville's thrillers.
Beyond these references, I like to create strangeness through light or situations, as if to invite the viewer to pursue his or her own film. It's above all in my head that I go looking for my subjects, inviting atmospheres from the past, contemplative or more contemporary sensations."

Sarah Jones
www.cuttsy.co.uk

Je crée ces POSTS depuis 2020, lorsque le lockdown m'a donné le temps de reconsidérer ma pratique de la peinture. Je considère ces poteaux totémiques comme une forme de peinture élargie. Je ne les considère pas comme des sculptures car je travaille avec des perles de couleur et je les considère comme je le ferais pour une peinture ou une enseigne. Je les appelle POSTES parce qu'ils pointent vers quelque chose, marquent quelque chose, symbolisent quelque chose comme dans la peinture abstraite. J'aime aussi le mot POST comme marqueur de temps - il a été créé après l'événement et s'inscrit dans la continuité de ce qui s'est passé avant.

L'aspect physique du travail du bois est une autre dimension importante de mon travail. S'approvisionner en bois, enlever l'écorce du tronc, scier les tranches, percer les trous centraux avec ma vieille perceuse à colonne et poncer chaque tranche ou perle demande beaucoup de temps et d'efforts physiques. Une fois le support réalisé, j'ai le plaisir de mélanger les couleurs et de peindre, teinter ou cirer les surfaces. Chaque pièce de bois a son propre caractère auquel je rends hommage, puis j'ai l'intuition de la couleur qui raconte l'histoire. Lorsque la pièce est terminée, elle est immobile et fière, et je peux la considérer comme un être à part entière. Je ne suis satisfaite de chaque pièce que lorsque j'en suis tombée amoureuse, qu'elle m'a émue ou qu'elle m'a beaucoup amusée.

I have been creating these POSTS since 2020 when lockdown gave me the time to reconsider my painting practice. I see these totemic posts as a form of expanded painting. I don't consider them sculptures as I am working with beads of colour and view them as I would a painting or a sign. I call them POSTS because they are pointing towards something, marking something, symbolising something as is abstract painting. I also enjoy the word POST as a marker of time - it has been created after the event and is following on from what went before.

The physicality of working in wood is another important dimension of my work. Sourcing the wood, stripping the bark from the trunk, sawing the slices, drilling the central holes with my old pillar drill and sanding each slice or bead takes much time and physical effort. Once the support is made I have the pleasure of mixing colour and painting or staining or waxing the surfaces. Each piece of wood has its own character which I pay homage to, I then intuit the colour which tells the story. When the piece is finished it stands still and proud and I can look up to it as its own being. I'm only happy with each piece once I've fallen in love with it or been moved by it or felt very amused by it.

Jones 2024

Stephen O’Driscoll
www.sodriscoll.com

Paysages imaginaires / Imaginary Landscapes

O'Driscoll est un peintre qui, au cours des cinquante dernières années, est passé d'un travail monochromatique à un colorisme vif. Ses peintures sont riches, lumineuses et veloutées, combinant des motifs et des figures apparemment simplifiées ou naïves dans des paysages imaginaires. O’Driscoll est loin d'être un peintre naïf, c'est un penseur profond et il est pleinement conscient des canons artistiques dans lesquels son travail s'inscrit. On peut y voir des références à Velasquez, Bonnard et Vuillard, ainsi qu'à des mouvements contemporains tels que la psychogéographie, la littérature et le cinéma. L'œuvre est présentée sous la forme d'une installation de multiples, près de 40 peintures combinées pour créer un "Paysage des paysages". Sauvage, beau, tendre et séduisante. Elles évoquent directement l'œuvre de Jones au niveau de la couleur et de la lumière dans des sections et des motifs en constante évolution.

Pendant qu'il terminait ses études à Goldsmiths à Londres, le travail d'O'Driscoll est passé de l'abstraction à la figuration. Au fil du temps, des thèmes et des motifs récurrents sont apparus dans son travail : fantômes, mariées et animaux, ainsi que les relations qu'ils entretiennent les uns avec les autres par le biais de la narration. Au fur et à mesure de l'évolution de son travail, sa palette de personnages s'est élargie et est devenue plus libre. Au début, ces relations se déroulaient sur un fond unicolore, mais au fil du temps, il les a placées dans des décors qui visent à intensifier la tonalité émotionnelle des peintures. Récemment, il a commencé à abandonner une partie de la figuration et du travail pour laisser émerger les paysages, qui s'apparentent davantage à des capes de psychopathe, et explorer la manière dont ces lieux peuvent être un vecteur de sens à eux seuls. Les peintures sont réalisées librement et sans référence au monde extérieur "réel". Fox commence souvent par faire des dessins rapides à l'encre noire et blanche sur papier et les utilise comme base pour des œuvres plus grandes sur toile. Son but n'est en aucun cas d'atteindre un réalisme, mais un hyperréalisme qui est plus transformateur. "Mes titres font partie intégrante de mes peintures ; ils ne sont pas littéraux et coexistent avec la poétique de l'œuvre en servant à amplifier et à travailler avec les peintures elles-mêmes". O'Driscoll 2023

O’Driscoll is a painter who has turned from monochromatic work to vivid colourism over the past half a decade. His paintings are rich, luminous and velvety, combining pattern and seemingly simplified or naïve figures through out imaginary landscapes. O’Driscoll is far from a naïve painter, he is a profound thinker and is fully aware of the artistic canon(s) his work lies within. You can see references to Velasquez, Bonnard and Vuillard as well contemporary movements such as psycho-geography, literature and cinema. The work is displayed as an installation of multiples, almost 40 paintings combine create a ’Landscape of landscapes’. Wild, beautiful, tender and seductive. They speak to Jones’ work directly on a level of colour and light in sections and ever-changing patterns.

Whilst completing his degree at Goldsmiths in London O’Driscoll’s work changed from abstraction to figuration. Over time, repeating themes and motifs have emerged in his work; ghosts, brides and animals, and the relationships they pose between each other through narrative. As the work evolved his range of characters has become larger and freer. At first these relationships were enacted with(in) a single colour background but over time Fox has placed them in settings which aim to escalate the emotional tonality of the paintings. Recently he has begun to leave behind some of the figuration and allow the landscapes, which are more akin to psycho-scapes to emerge and then explore how these places can be a vehicle for meaning alone.
The paintings are made freely and without reference to the ‘real’ external world; he often begins by making rapid black and white ink drawings on paper and uses these for the basis of larger, canvas supported works. His aim is in no way to affect a realism, but a hyper-realism that is more transformative.

O'Driscoll 2023