Atelier de Melusine

 Annabelle Shelton BA MA
‘Summers Past and Present - Choreograph of a scene’

Above; Gallery of works, please scroll through.

Annabelle Shelton is a British artist working largely in watercolour, using landscape and figuration in non-traditional ways. The absent is emphasised, or rather the invisible, immaterial spaces between the individual, within the collective.

Above: Parasol Beach, Sunglasses Beach, Marseilles Beach, Nice beach
Sparse linear scapes

Above: Beach Tide, Confetti Beach, Tide Has Turned, Floating Beach.
Crowded people scapes

Shelton has been working in this manner for around twenty years, although her earlier works were black and white (commencing in 2001), tonal cityscapes using human figures as form and the body’s accoutrements as cultural and temporal signifiers; the suit, the sunglasses, short skirts and mobile phones.
“The Black & White drawings were orchestrated works that play with the push and pull of the city the street crossings were timed to the lights people were instructed to move in an order to the lights creating patterns in the urbanscape Mechanical spaces.” (Shelton 2020)

The Beach scenes began in 2008. These works rely on the unspoken, the haptic, non-verbal interpersonal boundaries and communications, they highlights the discrete, lonely experiences of the singular within the plural as well as the transactions between the personalized idiosyncratic and the general. Shelton writes,

“Collectives of people reveal the modern condition regarding behavioural patterns and trends. The work negated (or absented) the areas (of the paintings) that were not of the enquiry.  These pieces are like surveys that endorse the human condition.”

The drawings have evolved into other series, such as the work around Uluru (formerly known as Ayers Rock, in Australia) which, deals with the concept of ‘tourism’ as well as the beach scenes. Working with ideas of tourism, travel and space - thematically enclosing ideas raised by Urry and Baudrillard; hyperreality and social consumption and making these indistinguishable from the physical form. Emphasising lack with lack but focusing on the visceral, the gaudy, the obviously individual and creating a novel, abstracted landscape. This is not a ‘fantasy world’ with fictional inhabitants, it selects and shows our reality, in super-focus. It is class ridden and genre specific but still speaks to all, universal crowds of creatures. The themes address the throw-away and the fleeting; holiday behaviours and leisure time, these can seem transient and shallow, but the cultures which create these performed conducts and practices hold very profound notions as to what and where is sacred, how society conducts its self; the muted behaviours which run very deep and from which few can easily and safely escape.

Above: Beach Curve, Knot Beach, Arc Beach, Patchwork Beach

The work starts with photography, there is a considerable documentary aspect in the process which, Shelton deconstructs, the photos relate to each other as well as to the acts of drawing and painting, which she states is more about her love of playfulness.

The paintings have clinical feel, microscopically observed, and the thin liquid paint is applied onto a highly prepared, pristine, white, aluminum surface. These panels are like petri-dishes of little cell clusters of particular, western, post-colonial consumer societies.
Shelton then spends weeks working delicately on the detailed surfaces. Keeping them meticulously clean, wiping back huge sections at a time, the base is very solid, but the watercolours create a delicate skin. The medium pushes the convention of a public and professional expectation of what a ‘watercolour’ is. Shelton challenges the artistic establishment through a ruthless updating and appropriation of materials.

Above: Beach Strip, Nice Beach, Beach 2020, Black and White Panel Picadilly V11.

But, these works are also seductive, like bonbons or jellybeans, colour candy - delicious aesthetically pleasing, with a natural flow and rhythm. Shelton is well aware of the classical tropes and proportions of beauty; in fact, it is one of the main themes of her master’s dissertation. They are truly elegant, aesthetic observations of late 20th and early 21st century approaches and attitudes to leisure and the collective. They echo some of the essences of Pop art, with aspects of realism, but like artists such as Hamilton, Hopper, Polke, Shelton references and combines technologies, old and new; photography, digital imagery, collage and draughtsmanship to observe, in minutae, the habits of modernity.

Why are they so pertinent now? During a pandemic? They demonstrate the body in public space. They show that, despite directives and confinement guidelines, humanity has a natural space at which it segregates the single organism within the herd. The distances observed in the works prior to this pandemic, clearly reveal a natural distancing; people maintaining a clear and unspoken proximity to one another.
As this essay is written, in the summer of the 2020 COVID-19 pandemic, beaches have become iconic symbols for and the main vectors of transmission for the virus. Families and young people have massed, as a relief from the prisons of homes and cities, post lockdown on beaches. The sensibility of ‘a holiday’, something exhaustively addressed during 20th century tourism literature, and the visiting of nature as part the use and ultimate abuse of nature, dominated by the human industrialization are familiar but little is said of the ‘call of the sea’. The journeying to the edge of terrestrial world, the leaving behind of no-longer safe spaces, to the places where humanity huddles at the point where the land ends. These are paintings of places furthest away from the mundane and moreover from its current horror; documentations, outside of time, of the world’s end and where the tides of humanity congregate.

Annabelle Shelton Ba Ma - "Les étés passés et présents’

Annabelle Shelton est une artiste britannique qui travaille principalement à l'aquarelle, au paysage et à la figuration de manière non traditionnelle. L'absence est mise en avant, ou plutôt les espaces invisibles et immatériels entre l'individu, au sein du collectif.

Des paysages linéaires épars.
Des paysages de foule.

Shelton travaille de cette manière depuis une vingtaine d'années, bien que ses premières œuvres aient été réalisées en noir et blanc (à partir de 2001), des paysages urbains tonaux utilisant des figures humaines comme forme et les accoutrements du corps comme signifiants culturels et temporels ; le costume, les lunettes de soleil, les jupes courtes et les téléphones portables. "Les dessins en noir et blanc étaient des œuvres orchestrées qui jouaient avec les forces de la ville : les passages à niveau étaient chronométrés en fonction des lumières que les gens devaient déplacer dans l'ordre, les lumières créant des motifs dans les espaces mécaniques du paysage urbain. (Shelton 2020)

Les scènes de la plage ont commencé en 2008. L'œuvre s'appuie sur le non-dit, les limites interpersonnelles et les communications haptiques et non verbales, elle met en évidence les expériences discrètes et solitaires du singulier au sein du pluriel. Ainsi que les transactions entre l'idiosyncrasique personnalisée et le général. Shelton écrit : "Les collectifs de personnes révèlent la condition moderne en ce qui concerne les modèles et les tendances de comportement. L'œuvre niait (ou absentait) les domaines (des peintures) qui n'étaient pas de l'enquête.  Ces pièces sont comme des enquêtes qui avalisent la condition humaine".
Ces dessins ont évolué dans d'autres séries, comme le travail autour d'Uluru (anciennement connu sous le nom d'Ayers Rock en Australie) qui traite du concept de "tourisme" ainsi que des scènes de plage. Le travail sur les idées du tourisme, du voyage et de l'espace - se rapproche des idées soulevées par Urry et Baudrillard ; l'hyperréalité et la consommation sociale et les rend indiscernables de la forme physique. Mettre l'accent sur le manque avec le manque mais en se concentrant sur le viscéral, le tape-à-l'œil, l'évidence individuelle et en créant un nouveau paysage abstrait. Ce n'est pas un "monde imaginaire" avec des habitants fictifs, il sélectionne et montre notre réalité, en super-focus. Il est axé sur la classe sociale et le genre, mais il s'adresse toujours à tous, aux foules universelles de créatures. Les thèmes abordés sont le jetable et l'éphémère, les comportements de vacances et les loisirs, qui peuvent sembler éphémères et superficiels, mais les cultures qui créent ces comportements et pratiques artistiques possèdent des notions très profondes sur ce qui est sacré et où, sur la façon dont la société se conduit et sur les comportements discrets qui sont très profonds et auxquels peu de gens peuvent facilement et en toute sécurité échapper.

Ils ont un aspect clinique, observé au microscope, et la peinture liquide fine est appliquée sur une surface hautement préparée. Les panneaux d'aluminium avec une surface blanche parfaite et brillante. Ces panneaux sont comme des boîtes de pétri de petits groupes de cellules de sociétés de consommation particulières, occidentales et postcoloniales. Shelton passe ensuite des semaines à travailler délicatement sur les surfaces détaillées. En les gardant méticuleusement propres, en essuyant d'énormes sections à la fois, la base est très solide, mais les aquarelles créent une peau délicate. Le médium pousse la convention d'une attente publique et professionnelle de ce qu'est une "aquarelle". Shelton défie l'establishment artistique par une mise à jour et une appropriation impitoyables des matériaux.

Mais ces œuvres sont aussi séduisantes, comme des bonbons ou des bonbons gélifiés, des bonbons colorés - délicieux esthétiquement, avec un flux et un rythme naturels. Shelton connaît bien les tropes classiques et les proportions de la beauté ; c'est d'ailleurs l'un des thèmes principaux des mémoires de son maître. Il s'agit d'observations esthétiques vraiment élégantes des approches et des attitudes de la fin du 20e et du début du 21e siècle en matière de loisirs et de collectif.

Ils font écho à certaines des essences du Pop art, avec des aspects de réalisme, mais comme des artistes tels que Richard Hamilton, Hopper Polke, Shelton font référence et combinent les technologies, anciennes et nouvelles ; la photographie, l'imagerie numérique, le collage et le dessin pour observer, dans les moindres détails, les habitudes de la modernité.

Pourquoi sont-ils si pertinents maintenant ? Pendant une pandémie ? Elles permettent de faire une démonstration du corps dans l'espace public. Elles montrent que, malgré les directives et les règles de confinement, l'humanité dispose d'un espace naturel où elle sépare le seul organisme du troupeau. Les distances observées dans les œuvres antérieures à cette pandémie, révèlent clairement une distanciation naturelle ; les gens maintenant une proximité claire et tacite les uns avec les autres.
Au moment où cet essai est écrit, à l'été de la pandémie COVID-19 de 2020, les plages sont devenues des symboles emblématiques et les principaux vecteurs de transmission du virus. Les familles et les jeunes se sont massés, comme pour soulager les prisons des foyers et des villes, pour mettre en place un dispositif de confinement sur les plages. La sensibilité des "vacances", un sujet abordé de manière exhaustive dans la littérature touristique du XXe siècle, et la visite de la nature dans le cadre de l'utilisation et de l'abus ultime de la nature, dominée par l'industrialisation humaine, sont familières, mais on parle peu de "l'appel de la mer". Le voyage aux confins du monde terrestre, l'abandon d'espaces qui ne sont plus sûrs, les lieux où l'humanité se blottit dans les points où la terre s'arrête. Ce sont des peintures des lieux les plus éloignés de la banalité et d'ailleurs de son horreur actuelle, des documentations, hors du temps, de la fin du monde et où les marées de l'humanité se rassemblent.

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