Below is a section of the text which accompanied the wonderful retrospective print exhibition ‘Fear of Getting Lost’ by Scottish artist Freya Payne. The show finishes this weekend but due to the out break of Corona virus the ATELIER MELUSINE has been closed to the public for over a week.

What I wish to convey in this blog is the technical complexity of the work, this is truly brilliant print making.

The Fear of Getting Lost 01 02 2020 - 20 03 2020

“The prints are extraordinary on both levels, visually they appear to reference the great print series and collections of Francisco Goya and Paula Rego, themselves centuries and continents apart but with a fluidity of drawing and ease of printmaking that allow the viewer to engage immediately in the images at a level of mark-making and patternation as well as with figuration. These are not representational prints of fruit and flowers or illustrations for books or stories. They are powerful vivid, stand-alone pieces which dialogue with each other. Somehow, they are cinematic, the lighting and the creation of space are reminiscent of film noir or Hitchcock. The black and white tones, which allow a little colour involves blacks or greys which head towards ultramarine and off-white papers which change very subtly to hint light peaches or tan. Sharp angles (like Goya’s triangular witch hats) and sharply contrasted hard floors race backwards into darkness, emphasising the changes in scale of the fleshy, soft bodies which inhabit these fields; stretching, twisting , lying prone, clinging to one another, standing alone in spotlights, bending over – no knickers and walking, weighted like pilgrims. When I ask about the spaces, they are internal, the drawings external manifestations of imagined spaces. Rooms and fields.

Detail : ‘Looking for Exits V’ - detail of the text which makes up the woman’s dress.

They contain symbols and languages from which you can make up your own narrative – there is not one set narrative, but the possibility of many narratives. I ask about the symbols of the tree, the horns, the graffiti/cave painting and received considered and often gentle responses that they are deliberately open ended symbols, that the ambiguity is deliberate, the figures are imagined, the prints start as very small thumbnail sketches and then evolve and change, often radically as the process of making the plates continues. Text ripples through the works, as the surface of the floor or the folds of a dress, repeating key phrases and (sometimes) painful or intimate questions.

This process to a printmaker is complex, there is perhaps the need to communicate to someone who does not have a good understanding of the intaglio printmaking process just how masterful these prints are.

The prints start as a copper plate, which is cleaned (de-greased) and the edges are bevelled at a 45-degree angle. First a hard ground is applied, and the drawing made with a standard needle, scratching the drawing through the waxy ground. The plate is then placed into an acid bath, which ‘bites’ (etches) into the exposed (scratched) metal. The plate is cleaned and examined and then a soft ground is applied (on a hot plate), and other materials like bubble wrap and crumpled paper have been used to make subtle tonal differences, section and stipple. The plate is drawn into with the needle and acid bitten again. These processes create the strong clear lines and detail. Then processes which create softer effects, which can look like gouache or watercolour techniques are used, aquatint and spit-biting, sugar lifting. Areas of the plates are scraped or sanded back in order to make deletions or shift the pace of image-making.
The paper is often itself collaged together as the print is pulled, including slips of Japanese paper in a process described as chine-colle. In Looking For Exits V a section of the paper has been burnt before use.

Detail : ‘Looking for Exits V’ - male figures in a spotlight/totem of shade one weeping

It is not just hours of work but weeks of work to make each image.

Each is an act of dedication, a process of commitment and a commitment to process.

Les estampes les plus complexes et les plus belles ; Freya Payne BA, MA RCA - Première partie

Vous trouverez ci-dessous une partie du texte qui accompagnait la magnifique exposition rétrospective de gravures "Fear of Getting Lost" de l'artiste écossaise Freya Payne. L'exposition se termine ce week-end, mais en raison de la propagation du virus Corona, la MELUSINE DE L'ATELIER est fermée au public depuis plus d'une semaine.

Ce que je souhaite transmettre dans ce blog, c'est la complexité technique de l'œuvre, c'est vraiment une impression brillante.

La peur de se perdre 01 02 2020 - 20 03 2020

Detail : ‘Looking for Exits V’ - girl in a cot or crib with toy hens, chine colle burnt paper addition

"Les estampes sont extraordinaires à ces deux niveaux, visuellement elles semblent faire référence aux grandes séries et collections d'estampes de Francisco Goya et Paula Rego, elles-mêmes séparées par des siècles et des continents, mais avec une fluidité de dessin et une facilité de gravure qui permettent au spectateur de s'engager immédiatement dans les images à un niveau de marquage et de motif ainsi que de figuration. Il ne s'agit pas de gravures représentatives de fruits et de fleurs ni d'illustrations de livres ou d'histoires. Il s'agit de pièces autonomes, puissantes et vivantes, qui dialoguent entre elles. D'une certaine manière, elles sont cinématographiques, l'éclairage et la création de l'espace rappellent le film noir ou Hitchcock. Les tons noir et blanc, qui permettent un peu de couleur impliquent des noirs ou des gris qui se dirigent vers l'outremer et des papiers blanc cassé qui changent très subtilement pour laisser apparaître des pêches claires ou du fauve. Les angles aigus (comme les chapeaux de sorcière triangulaires de Goya) et les sols durs très contrastés courent à reculons dans l'obscurité, soulignant les changements d'échelle des corps charnus et mous qui habitent ces champs ; s'étirant, se tordant, s'allongeant, s'accrochant les uns aux autres, se tenant seuls dans les projecteurs, se penchant - sans culotte - et marchant, lestés comme des pèlerins. Quand je pose des questions sur les espaces, ils sont intérieurs, les dessins sont des manifestations extérieures d'espaces imaginés. Des pièces et des champs.

Detail : ‘Looking for Exits V’ - male figures waist and shorts, spit-bite, aquatint , haerd ground and dry point

Ils contiennent des symboles et des langages à partir desquels vous pouvez composer votre propre récit - il n'y a pas un récit fixe, mais la possibilité de plusieurs récits. Je pose des questions sur les symboles de l'arbre, les cornes, les graffiti/peinture de la cavité et je reçois des réponses réfléchies et souvent douces, à savoir qu'il s'agit de symboles délibérément ouverts, que l'ambiguïté est délibérée, que les figures sont imaginées, que les estampes commencent comme de très petits croquis et qu'elles évoluent et changent, souvent de façon radicale au fur et à mesure que le processus de fabrication des plaques se poursuit. Le texte ondule à travers les œuvres, comme la surface du sol ou les plis d'une robe, répétant des phrases clés et (parfois) des questions douloureuses ou intimes.

Ce processus pour un graveur est complexe, il est peut-être nécessaire de communiquer à quelqu'un qui n'a pas une bonne compréhension du processus de gravure en taille douce à quel point ces gravures sont magistrales.

Les gravures commencent par une plaque de cuivre, qui est nettoyée (dégraissée) et les bords sont biseautés à un angle de 45 degrés. On applique d'abord une terre dure, et le dessin est fait avec une aiguille standard, en grattant le dessin à travers la terre cireuse. La plaque est ensuite placée dans un bain d'acide, qui "mord" (grave) dans le métal exposé (rayé). La plaque est nettoyée et examinée, puis un sol mou est appliqué (sur une plaque chauffante). D'autres matériaux comme du papier bulle et du papier froissé ont été utilisés pour faire de subtiles différences de tons, de section et de pointillés. La plaque est aspirée à l'aide de l'aiguille et l'acide est à nouveau piqué. Ces procédés permettent d'obtenir des lignes nettes et des détails très nets. Ensuite, on utilise des procédés qui créent des effets plus doux, qui peuvent ressembler aux techniques de la gouache ou de l'aquarelle, de l'aquatinte et du crachat, de la levée de sucre. Des zones des plaques sont grattées ou poncées afin d'effectuer des suppressions ou de modifier le rythme de la création d'images. Le papier est souvent lui-même collé au fur et à mesure que l'on tire sur l'impression, y compris des bouts de papier japonais dans un processus décrit comme le chine-colle. Dans l'ouvrage "Looking For Exits V", une partie du papier a été brûlée avant d'être utilisée.

Il ne s'agit pas seulement d'heures de travail, mais de semaines de travail pour réaliser chaque image.

Chacune est un acte de dévouement, un processus d'engagement et une volonté de processus.

Traduit avec www.DeepL.com/Translator (version gratuite)

The most complex and beautiful prints; Freya Payne BA, MA RCA - Part One - Les estampes les plus complexes et les plus belles ; Freya Payne BA, MA RCA - Première partie

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