International Women's Day Events with ATELIER MELUSINE 2020

A wonderful day - with memory sticks sent down the river and digitally by post!
We are awaiting responses :)

ATELIER MELUSINE - End of year review 2019

Research weekend with Hedenborg and Crockford

ATELIER MELUSINE  
End of year review 2019
www.atelierdemelusine.com

We bought the building 4 Rue de Trupet, La Trimouille, in March 2017. Our belongings arrived in May 2017 without us and after floods, trials and tribulations the studio/atelier/gallery opened to the public on 07 December 2018 with Annett’s exhibition ‘Systems of Philosophy – Wall(paper)s of Mind’. The building still has plenty of renovation (six miles of underground tunnels allegedly) to complete but has gone from strength to strength hosting several major international shows, encouraging interdisciplinary collaboration and allowing artists the time, space and freedom to develop their practice and thinking. The atelier now runs regular courses in several disciplines and Annett is leading a week’s residential course, ‘Painting L’Arbre de Vie’ at Chateau Chezeaux in August 2020.
We have exhibited more than 80 artists work and had in excess of 700 visitors over the course of the year. We became a not for profit organisation in April 2019, the Association ATELIER MELUSINE and have a growing membership.
A huge thank you to all our supporters, friends and colleagues in La Trimouille and La Vienne who have made this possible, Merry Christmas and a Very Happy New Year.

More detail and links to many of the artist’s works can be found at the website https://www.atelierdemelusine.com/exhibitions

Exhibitions and events
Year 1 December 2018 – December 2019

‘Systems of Philosophy – Wall(paper)s of Mind’ by Sally Annett.  Dec 7 2018 – Mar 7 2019.
Exploration of print, sculpture, installation, archive and works on paper.
‘Balades des Artistes’. ATELIER MELUSINE. Atelier Vero and Day Art

Stone Tree - Annett december 2018

3-day Kabbalistic Research residency. Feb 19 – 21 2019

From the 3 day residency

International Women’s Day Mars 2019

‘Dolls – Pupa’. Group exhibition. Mars 23 – May 4 2019
28 international artists respond to a digital call.

Still from the film ‘Harvester’ by Borelowska as part of ‘Dolls - Pupa’

Association premiere Assemblée General May 20 2019

‘Temporal Traces Magical Manuscripts’. Interdisciplinary research project. May 11 – July 02.
By; The Coptic Magical Papyri project, University of Würzburg, University Complutese Madrid, Raquel Martin Fernández, Luis Calero, Serge Arnous, Robert Campbell Henderson, Hugh MacMillan and William Blake. Multi-media.

Temporal Traces Magical Manuscripts - Digital Animation by Korshi Dosoo (images) and Luis Calero

Temporal Traces Magical Manuscripts. Plates by Serge Arnoux - Prints by Robert Campbell Henderson - Sound Henderson & MacMillan

‘Balades des Artistes’ 2 June. ATELIER MELUSINE. Atelier Vero and Day Art

Robert Campbell Henderson - Polaroid Evangelism

Lucy Perkins and Jonas Read at the vernissage of ‘I much prefer the Mundane’

‘I Much Prefer the Mundane’ by Jonas Read and ‘Polaroid Evangelism’ by Robert Campbell Henderson July 19 – August 24
Morgan Annett-Parish - ‘Black Door’
Photography on paper and metal, digital and polaroid.

Jonas Read - I much prefer the Mundane

Black Door - Morgan Annett-Parish - Image Annett

Katy Ashcroft. Live Performance. August 17

Katy Ashcroft live performance

‘Tearing Up the Rule Book’ by Day Bowman. September 5 – October 20
Painting and new works on paper.

John Stephens and Day Bowman - Tearing Up the Rule Book

Marion Flanagan. Artist in residence. October 20 – 27 2019

Marion Flanagan and Beverly Hicklin (Studio 15)

‘Stepping on the heads of Serpents’ by Sally Annett. Retrospective of works based around the tree. October 29 2019– Jan 20 2020

Tree of Life - Annett 2019 - Mezzotint - selected for the Venice Biennale ITS LIQUID - part of ‘Stepping on the Heads of Snakes/Serpents’

‘Balade Des Artistes’ 3.  December 2019

‘The Deeper You Dig’ Wonder Wheel Productions.
Friday 13 December 2019
Psychological thriller/horror – French premiere. 90.mins

Toby Poser in ‘The Deeper You Dig’. Photographic still. Courtesy of Wonder Wheel Productions

Coming in 2020

Our next show is ‘Fear of Getting Lost’ by Freya Payne – February 01 2020 – Mars 20 – 2020 and our planned 2020 programme includes collaborations with Chung Hua Catherine Dong, Anne Bean and Rob La Frenais.

Annett has directly funded all building works and exhibitions over the past three years and we are currently applying for European funding, however, our position in France/Europe maybe negatively impacted by BREXIT. There are several ways you can support the continuation of our work; by becoming a member, by supporting Annett’s Patreon account and, most importantly by buying artworks! 

Review of Day Bowman’s ‘Tearing Up the Rule Book’ by John Stephens https://www.artlyst.com/reviews/tearing-rule-book-paintings-day-bowman-atelier-melusine/?fbclid=IwAR0BntEX4DN48BO5-ttM4Eaw_eaKa3iV69kVWtVU8RYIcaLSC5Fe9EGvZ30

Review of Sally Annett’s ‘Systems of Philosophy – Wall(paper)s of Mind by David Hancock https://papergallerymagazine.wordpress.com/2018/09/18/sally-annett-systems-of-philosophy-wallpapers-of-mind/

Membership Link https://www.atelierdemelusine.com/new-page-3

Patreon link https://www.patreon.com/sallyannett

ATELIER MELUSINE - Bilan de fin d'année 2019

Nous avons acheté l'immeuble 4 Rue de Trupet, La Trimouille, en mars 2017. Nos biens sont arrivés en mai 2017 sans nous et après des inondations, des épreuves et des tribulations, l'atelier/atelier/galerie a ouvert au public le 7 décembre 2018 avec l'exposition d'Annett 'Systèmes de philosophie - murs(papiers) de l'esprit'. Le bâtiment a encore beaucoup de rénovations à faire (six miles de tunnels souterrains soi-disant) mais il est devenu de plus en plus solide en accueillant plusieurs expositions internationales majeures, en encourageant la collaboration interdisciplinaire et en donnant aux artistes le temps, l'espace et la liberté de développer leur pratique et leur pensée. L'atelier offre maintenant des cours réguliers dans plusieurs disciplines et Annett dirige un cours résidentiel d'une semaine, " Peindre l'Arbre de Vie " au Château Chezeaux en août 2020.
Nous avons exposé plus de 80 œuvres d'artistes et avons eu plus de 700 visiteurs au cours de l'année. Nous sommes devenus une association à but non lucratif en avril 2019, l'Association ATELIER MELUSINE et avons un nombre croissant de membres.
Un grand merci à tous les gens de La Trimouille et de La Vienne qui ont rendu cela possible, Joyeux Noël et une très bonne année.

Vous trouverez plus de détails et des liens vers de nombreuses œuvres de l'artiste sur le site https://www.atelierdemelusine.com/exhibitions

Expositions et événements
Année 1 décembre 2018 - décembre 2019

Systèmes de philosophie - Les murs de l'esprit' par Sally Annett. 7 déc 2018 - 7 mars 2019.
Exploration de l'imprimé, de l'archive et du travail sur papier.
Balades des Artistes'. ATELIER MELUSINE. Atelier Vero et Day Art

Résidence de recherche kabbalistique de 3 jours. 19 - 21 février 2019

"Poupées - Pupa". Exposition de groupe. 23 mars - 4 mai 2019
28 artistes internationaux répondent à un appel numérique.

Première de l'association Assemblée Générale 20 mai 2019

"Traces temporelles, manuscrits magiques". Projet de recherche interdisciplinaire. 11 mai - 02 juillet.
Par : Le projet Coptic Magical Papyri, Université de Würzburg, Université Complutese de Madrid, Raquel Martin Fernández, Luis Calero, Robert Campbell Henderson, Hugh MacMillan et William Blake. Multimédia.

Balades des Artistes" 2 juin. ATELIER MELUSINE. Atelier Vero et Day Art

I Much Prefer the Mundane " et " Polaroid Evangelism " par Jonas Read et Robert Campbell Henderson 19 juillet - 24 août
Photographie sur papier et métal, numérique et polaroid.

Katy Ashcroft. Performance en direct. Le 17 août

"Tearing Up the Rule Book" par Day Bowman. 5 septembre - 20 octobre
Peinture et nouvelles œuvres sur papier.

Marion Flanagan. Artiste en résidence. 20 - 27 octobre 2019

"Stepping on the heads of Serpents" par Sally Annett. Rétrospective d'œuvres basées sur l'arbre. 29 octobre 2019- 20 janvier 2020
Balade des artistes 3. Décembre 2019

"The Deeper You Dig" Wonder Wheel Productions. Vendredi 13 décembre 2019
Thriller/horreur psychologique - Première française. 90.mins

A venir en 2020

Notre prochain spectacle est 'Fear of Getting Lost' de Freya Payne - Février 01 2020 - Mars 20 - 2020 et notre programme prévu comprend des collaborations avec Chung Hua Catherine Dong, Anne Bean et Rob La Frenais.

Annett a financé directement tous les travaux de construction et les expositions au cours des trois dernières années et nous faisons actuellement des demandes de financement européen (bien que cela puisse être affecté par BREXIT) et il y a plusieurs façons de soutenir la poursuite de notre travail ; en devenant membre, en soutenant le compte Patreon d'Annett et, surtout, en achetant des œuvres d'art !


Revue du livre de Day Bowman 'Tearing Up the Rule Book' par John Stephens https://www.artlyst.com/reviews/tearing-rule-book-paintings-day-bowman-atelier-melusine/?fbclid=IwAR0BntEX4DN48BO5-ttM4Eaw_eaKa3iV69kVWtVU8RYIcaLSC5Fe9EGvZ30

Revue des " Systèmes de philosophie - Les murs de l'esprit " de Sally Annett par David Hancock https://papergallerymagazine.wordpress.com/2018/09/18/sally-annett-systems-of-philosophy-wallpapers-of-mind/

Lien des membres https://www.atelierdemelusine.com/new-page-3
Lien Patreon https://www.patreon.com/sallyannett

‘The Deeper You Dig’/'Plus Vous Creusez Profondément'

‘The Deeper You Dig’
FRIDAY 13  2019 – A HORROR STORY

When I met actor and director Tober Poser in La Trimouille in the summer I was fascinated by the theme of her production company, Wonder Wheel Production’s latest film, ‘The Deeper You Dig’.  She was touring international film festivals, and the film has screened successfully at Lausanne, Cannes, Mexico and the week before our premiere, in San Francisco.  ‘The Deeper You Dig’ is a psychological thriller/horror about a fraudulent Tarot reader whose daughter disappears in mysterious circumstances. Having produced a Tarot deck in 2003, the major arcana of which was shown at Milton Keynes Gallery, UK (‘The Atavist Tarot’. Foulsham/MacMillan) I was immediately interested.
Poser and her production team, Poser’s husband John Adams and their daughters Lulu and Zelda, had undertaken detailed research around magic and ideas of ‘hell’ for the creation of the script and its visual concepts.  After some hours discussion and a delicious meal, we were given permission to hold a private screening of the film at the ATELIER MELUSINE.
I set the date for Friday 13 December as appropriately spooky not realising that this would also be the date of the UK election. The real horror of the result of this political event eclipsed the evening - its negative impacts, which will see a corrupt far right minority try to push through a Brexit which, the majority do not wish for and that millions have taken to the streets to demonstrate againt - just too overwhelming for many :( We are about to be stripped of citizenship in 26 countries setting a horrific precedent in Europe.
Many of our pre-booked audience sent apologies on the day; either too devastated to face coming out or laid up by the pharyngitis currently gripping out small, rural community. So, it was to a minimal audience, after a day of tears, that we went ahead. 

Some of my friends say that they do not like horror films – they can’t cope with them, watch them or hear about them. Yet often they can read the equivalent in text format or watch more violent, more gory and much more graphic scenes if they are labelled ‘drama’ or ‘documentary’. I can’t endure an episode of a hospital drama such as ‘casualty’ and I avoid sad films at all costs (despite my favourite film of 2019 being ‘Facteur Cheval’ by Nils Tavernier) so I have no wish to make my audience suffer. That said, most mainstream films and literature even for children, have (and always have had) great elements of horror and suffering; The Bible, Dickens, Harry Potter, Dr Who – Frankenstein and the Brother’s Grim, horror is a mainstream genre as well as a subgenre in many other cinematic formats.
Three of our tiny audience had expressed a previous fear of and avoidance of ‘Horror’ films but had trusted and enjoyed our previous events and so come. Mulled wine in hand (and accidently up the walls) popcorn by the bowl full and the fire raging we blew out the candles and began.

An hour and a half later the room was full of animated smiles, excitement and laughter, the joy of the women present was evident, surprised by the beauty of the cinematography, the performance and sparse but precise dialogue; “that’s cunty” and the closely observed portrayals of loss, evasion, habit, intimacy, numbness, addiction, deceit, love and openness was wonderful. Whilst eyes were hidden at various activities with power-saws and heads turned away at moments of death, of engagement with other worlds and states of being, Poser’s powerful performance of a mother looking for her daughter keeps you walking, as she does, through the snow and trees. The soundtrack plays equally with the visual narrative. The laugh out loud moments come from detailed study of identity and expectation, around behaviors which act as indicators of age and gender; a moment with the blue sled, another with a pumpkin are as extraordinary as the descent into the seven circles of Hell experienced by a mother who will do anything to find her child. These circles are both real and metaphorical and while the film has a very exacting conclusion it is also left entirely open. It is a magical tale of subtle power and strange nuances of interpersonal and familial relations which travers the barriers of life and death, repeatedly and endlessly. It is a joy to watch and has you “rooting for the supernatural” all the way through!

The film will be screened at the Chateau des Chezeaux, Fr. again in the new year for those who had booked but were able to come to the December premiere. Date to be confirmed. 

For more information, trailers, other films and DVDs please visit the website:
http://wonderwheelproductions.com/pages/about.php

For the Atavist Tarot

https://www.amazon.co.uk/Atavist-Tarot-Sally-Annett/dp/0572025823

·  ISBN-10 : 0572028105

·  ISBN-13 : 978-0572028107

Plus Vous Creusez Profondément

VENDREDI 13 2019 - UNE HISTOIRE D'HORREUR

Quand j'ai rencontré l'acteur et réalisateur Tober Poser à La Trimouille cet été, j'ai été fasciné par le thème de sa société de production, le dernier film de Wonder Wheel Production, plus vous creusez profondément'.  Elle était en tournée dans des festivals internationaux, et le film a été projeté à Lausanne, Cannes, Mexico et la semaine avant notre première, San Francisco.  The Deeper You Dig' est un thriller/horreur psychologique sur un lecteur de Tarot frauduleux dont la fille disparaît dans des circonstances mystérieuses. Ayant produit un jeu de Tarot en 2003, dont les arcanes majeurs ont été exposés à la Milton Keynes Gallery, UK ('The Atavist Tarot'. Foulsham/MacMillan) j'ai été immédiatement intéressé. Poser et son équipe de production, le mari de Poser, John Adams, et leurs filles Lulu et Zelda, avaient entrepris des recherches détaillées sur la magie et les idées de l'enfer pour la création du scénario et ses concepts visuels.  Après quelques heures de discussion et un délicieux repas, nous avons eu l'autorisation d'organiser une projection privée du film à l'ATELIER MELUSINE.

J'ai fixé la date du vendredi 13 décembre comme une date effrayante, sans me rendre compte qu'il s'agirait également de la date des élections britanniques. L'horreur du résultat de cet événement a éclipsé la soirée - ses impacts négatifs, qui voient une minorité d'extrême droite corrompue pousser à travers un Brexit que la majorité ne souhaite pas et que des millions de personnes sont descendues dans la rue pour manifester à nouveau de façon accablante pour beaucoup. Nous sommes sur le point d'être dépouillés de notre citoyenneté dans 26 pays, ce qui créera un terrible précédent. Beaucoup de nos spectateurs pré-réservés nous ont envoyé des excuses, soit trop dévastés pour sortir du placard, soit saisis par la pharyngite qui sévit actuellement dans une petite communauté rurale. C'était donc à un public minimal après une journée de larmes que nous sommes allés de l'avant.

Certains de mes amis les plus chers me disent qu'ils n'aiment pas les films d'horreur, qu'ils ne peuvent pas les supporter, les regarder ou en entendre parler. Pourtant, ils peuvent souvent lire l'équivalent en format texte ou regarder des scènes plus violentes, plus sanglantes et beaucoup plus graphiques s'ils sont étiquetés " drame " ou " documentaire ". Je ne peux pas supporter un épisode d'un drame hospitalier tel que'casualty' et j'évite à tout prix les films tristes (bien que mon film préféré de 2019 soit'Facteur Cheval' de Nils Tavernier) donc je n'ai pas envie de faire souffrir mon public. Cela dit, la plupart des films et de la littérature grand public, même pour les enfants, ont (et ont toujours eu) de grands éléments d'horreur et de souffrance ; La Bible, Dickens, Harry Potter, Dr Who - Frankenstein et The Brother's Grim, l'horreur est un genre courant et un sous-genre dans de nombreux autres formats cinématographiques.

Trois de nos petits spectateurs avaient déjà exprimé leur peur des films d'horreur et avaient évité les films d'horreur, mais ils avaient fait confiance à nos événements précédents et s'en étaient réjouis. Du vin chaud à la main (et accidentellement le long des murs) du pop-corn par le bol plein et le feu qui faisait rage, nous avons soufflé les bougies et a commencé.

Une heure et demie plus tard, la salle était pleine de sourires animés, d'excitation et de rires, la joie des femmes présentes était évidente, surprise par la beauté de la cinématographie, la performance et les dialogues clairsemés mais précis ; "c'est la chatte" et les représentations étroitement observées de perte, évasion, habitude, intimité, insensibilité, dépendance, tromperie, amour et ouverture étaient magnifiques. Tandis que les yeux étaient cachés lors de diverses activités avec des scies électriques et des têtes détournées aux moments de mort, d'engagement avec d'autres mondes et états d'être, la puissante performance d'une mère qui cherche son enfant vous fait marcher, comme elle le fait, dans la neige et les arbres. La bande sonore joue à égalité avec le récit visuel. Les moments de rire à haute voix proviennent de l'étude détaillée de l'identité et des attentes, autour de comportements qui servent d'indicateurs d'âge et de sexe ; un moment avec le traîneau bleu, un autre avec une citrouille sont aussi extraordinaires que la descente dans les sept cercles de l'enfer vécue par une mère qui fera tout pour retrouver son enfant. Ces cercles sont à la fois réels et métaphoriques et, bien que le film ait une conclusion très exigeante, il est également laissé entièrement ouvert. C'est une histoire magique de pouvoir subtil et de nuances étranges de relations interpersonnelles et familiales qui traversent les barrières de la vie et de la mort, de façon répétée et sans fin. C'est une joie à regarder et de vous faire "enraciner pour le surnaturel" jusqu'au bout !

Le film sera projeté au Château des Chezeaux, Fr. à nouveau dans la nouvelle année pour ceux qui avaient réservé mais qui ont pu venir à la première en décembre. Date à confirmer.

Pour plus d'informations, des bandes-annonces, d'autres films et des DVD, veuillez visiter le site Web :

http://wonderwheelproductions.com/pages/about.php

https://www.amazon.co.uk/Atavist-Tarot-Sally-Annett/dp/0572025823

·  ISBN-10 : 0572028105

·  ISBN-13 : 978-0572028107

'Stepping on the Heads of Snakes' - Les balades des artistes P3 - P2. ATELIER MELUSINE

'Stepping on the Heads of Snakes' est un survol des travaux de Sally Annett sur le concept de l'Arbre de vie et ses contextes et lieux anciens.

29 december 2019 - 20 janvier 2019

L'image et la structure de " l'arbre " sont au centre de cette œuvre et l'exposition présente une large sélection de mon travail. Des grands paysages aux textes de mon ami feu Mike Stanley, une salle d'images de contes de fées suspendues, des petits schémas schématiques à l'huile sur ardoise aux installations sur les murs du sol d'impressions holographiques, gravées, lino-coupées, photographiques et numériques, c'est une exposition dynamique et vivante qui permet de voir les voies et réflexions de 20 ans de travail environ. Les styles médium et visuel changent, mais les thèmes, les arbres, les échelles, les méta-représentations et les serpents ne changent pas.

"Dieu sans déesse est à mi-chemin de l'athéisme" Dion Fortune. Qabala mystique. 1935.

'Stepping on the Heads of Snakes' est un survol des travaux de Sally Annett sur le concept de l'Arbre de vie et ses contextes et lieux anciens.

L'image et la structure de " l'arbre " sont au centre de cette œuvre et l'exposition présente une large sélection de mon travail. Des grands paysages aux textes de mon ami feu Mike Stanley, une salle d'images de contes de fées suspendues, des petits schémas schématiques à l'huile sur ardoise aux installations sur les murs du sol d'impressions holographiques, gravées, lino-coupées, photographiques et numériques, c'est une exposition dynamique et vivante qui permet de voir les voies et réflexions de 20 ans de travail environ. Les styles médium et visuel changent, mais les thèmes, les arbres, les échelles, les méta-représentations et les serpents ne changent pas.

"Dieu sans déesse est à mi-chemin de l'athéisme" Dion Fortune. Qabala mystique. 1935.

Balades de Artistes P3 - A T E L I E R M E L U S I N E & ATELIER VERO 29/11/2019

La troisième édition des Balades des Artistes à La Trimouille a connu un grand succès avec plus de 80 personnes qui ont participé aux soirées.

Deux des ateliers et galeries de La Trimouille ont ouvert leurs portes au public avec une gamme d'œuvres d'art, de nourriture et de boissons.

L'Atelier Véro avait une sélection d'œuvres peintes et d'objets d'artisanat de Véronique Pouget et d'artistes invités dont de nouveaux paysages coloristes du sud de la France ainsi que des paysages urbains de Montmorillon. L'Atelier Melusine a ouvert son dernier spectacle de sa première année. Stepping on the Heads of Snakes', une rétrospective de l'estampe et de la peinture basée sur le symbole de l'Arbre de vie de l'artiste et commissaire Sally Annett. Il y a des panneaux diptyques géants, des multiples et une vue dans son atelier de travail de vastes peintures en cours. Les expositions se dérouleront jusqu'à la fin du mois de janvier de l'année prochaine et les associations et ateliers d'art, qui comprennent habituellement DayArt, inviteront d'autres groupes et associations artistiques des communes environnantes à se joindre aux événements, créant une série d'événements artistiques et culturels et de vernissages pour la région qui durera un week-end. Ils enverront un appel dans la nouvelle année avec des informations sur la façon de participer en tant que lieu pour les événements de 2020.

Images below from the ATELIER MELUSINE ‘ Stepping on the Heads of Snakes’ Sally Annett

The third ‘Balades des Artistes’ in La Trimouille was a great success with over 80 people taking part in the evenings events.

Two of La Trimouille’s studio and gallery spaces opened their doors to the public with a range of wonderful artworks, food and drink.

Atelier Vero had a selection of painted works and fine craft objects by Veronique Pouget and invited artists including new colourist landscapes of the south of France as well as townscapes of Montmorillon. The Atelier Melusine opened their final show of their first year. ‘Stepping on the Heads of Snakes’ a retrospective of printmaking and painting based around the symbol of the ‘Tree of Life’ by artist and curator Sally Annett. There are giant diptych panels, multiples and a view into her working studio of vast paintings in progress. The exhibitions run until the end of January next year and the art Associations and Ateliers, which usually includes DayArt will be inviting other art groups and associations in the surrounding communes to join the events, creating a weekend long series of arts and cultural events and vernissages for the region. They will send out a call in the new Year with information about how to participate as a venue for the 2020 events.

Mountain Size: Contemporary British Painting 1 - 30 November 2019

Photography; Francis Annett. Painting; Gordon Dalton, Amanda Ansell, Jeff, Dellow, Judy Tucker, Julian Brown, Mandy Payne, Paul Newman, Paula MacArthur, Pen Dalton, Simon Carter, Gordon Dalton, Stephen Snoddy.

My uncle, Francis Annett, has lived and worked in Middlesborough for many years and when I saw this event coming up, knowing some of the artists, I messaged him with the details and he replied to say that he was going already. I asked if he could take some images so that we could run a short piece on the project as I know he supports and promotes the arts and culture in the North East and this is a great contemporary painting show for Middlesborough.   It transpired, unbeknown to me, that he already knew and had worked with Gordon Dalton previously – I had no idea :)

The exhibition is part of a wider programme of events, ‘Conversations in Painting’ https://www.conversationsinpainting.co.uk/programme,

Artists exhibiting are;
Karl Bielik / Paula MacArthur / Stephen Snoddy / Amanda Ansell / Judith Tucker / Alison Pilkington / D J Manley / Simon Carter / Narbi Price / Pen Dalton / Matthew Krishanu / Cara Nahaul / Sam Douglas Joe Packer / Mandy Payne / Julian Brown / Sean Williams / Freya Purdue / Greg Rook / Jeff Dellow / Gordon Dalton / Andrew Crane / Barbara Pierson / Natalie Dowse / Paul Newman

“Mountain Size features artists from the Contemporary British Painting membership, selected by CBP board member, Gordon Dalton (Creative Factory). The exhibition features UK artists whose work has a relationship to landscape, from coast to country, or as a more abstract inspiration. The landscape is a starting point, a subject matter, before the spontaneity, contradiction and decision making begins and the delicate matter of pushing ‘coloured mud around with a hairy stick.’

All the painters involved relate directly to the history, legacy and traditions of painting itself. This does not mean they are divorced from the wider realities around us or a fruitful critical dialogue with other art forms, but that painting itself is important.  Large paintings, small paintings, paintings of ‘things’, for these artists, painting itself is mountain sized, a large, seemingly immovable force yet one that is changeable with time, history and the world around us.”

This is a really interesting selection of paintings which range from abstracted pieces in various scales, through the exploration of landscape as surface envisioned through pattern and colllage into technically brilliant, representational works. The influences of British and European painting are evident and referenced but with a contemporary academic thoughtfulness which provides a linguistic intentsity and a love of the medium which allows for deep contemplation of its continuing impact.

Contemporary British Painting is an artist led organisation which explores and promotes current trends in British painting through group exhibitions, talks, publications and the donation of paintings to art museums.

​Uncle Francis is ‘a gem’ x

Mountain Size: Contemporary British Painting is on show at :
Pineapple Black, Hillstreet Centre, Middlesbrough TS1 1SU

1 - 30 November 2019

Mountain Size: Contemporary British Painting

1 - 30 November 2019

Mon oncle, Francis Annett, vit et travaille à Middlesborough depuis de nombreuses années et quand j'ai vu cet événement arriver, connaissant certains des artistes, je lui ai envoyé un message avec les détails (je l'ai marqué sur un message FB) et il m'a répondu qu'il allait déjà partir. Je lui ai demandé s'il pouvait prendre quelques images pour que nous puissions publier un court article sur le projet, car je sais qu'il appuie et fait la promotion des arts et de la culture dans le Nord-Est, et c'est une excellente exposition de peinture contemporaine pour Middlesborough. Il s'est avéré qu'à mon insu, il connaissait déjà Gordon Dalton et qu'il travaillait avec lui auparavant - je n'en avais aucune idée !

L'exposition s'inscrit dans le cadre d'un programme d'événements plus vaste,'Conversations in Painting' https://www.conversationsinpainting.co.uk/programme,

Les artistes qui exposent le sont ;Karl Bielik / Paula MacArthur / Stephen Snoddy / Amanda Ansell / Judith Tucker / Alison Pilkington / D J Manley / Simon Carter / Narbi Price / Pen Dalton / Matthew Krishanu / Cara Nahaul / Sam Douglas Joe Packer / Mandy Payne / Julian Brown / Sean Williams / Freya Purdue / Greg Rook / Jeff Dellow / Gordon Dalton / Andrew Crane / Barbara Pierson / Natalie Dowse / Paul Newman

"Mountain Size met en vedette des artistes de la Contemporary British Painting, sélectionnés par Gordon Dalton (Creative Factory), membre du conseil du CBP. L'exposition présente des artistes britanniques dont le travail a un rapport avec le paysage, d'un pays à l'autre, ou comme une inspiration plus abstraite. Le paysage est un point de départ, un sujet, avant que la spontanéité, la contradiction et la prise de décision ne commencent et la délicate question de pousser " de la boue colorée avec un bâton poilu ".

Artist ; Simon Carter

Tous les peintres impliqués sont directement liés à l'histoire, à l'héritage et aux traditions de la peinture elle-même. Cela ne signifie pas pour autant qu'ils sont séparés des réalités plus larges qui nous entourent ou d'un dialogue critique fructueux avec d'autres formes d'art, mais que la peinture elle-même est importante. Grandes peintures, petites peintures, peintures de "choses", pour ces artistes, la peinture elle-même est de la taille d'une montagne, une grande force apparemment immuable, mais qui est changeante avec le temps, l'histoire et le monde qui nous entoure."

Il s'agit d'une sélection très intéressante de peintures qui vont de pièces abstraites à différentes échelles, en passant par l'exploration du paysage tel qu'il est envisagé en surface, jusqu'à des œuvres techniques brillantes et représentatives, en passant par les motifs et les colllages. Les influences de la peinture britannique et européenne sont évidentes et référencées mais avec une réflexion académique contemporaine qui fournit une intention linguistique et un amour du médium qui permet une profonde contemplation de son impact continu.

Contemporary British Painting est une organisation dirigée par des artistes qui explore et promeut les tendances actuelles de la peinture britannique à travers des expositions collectives, des conférences, des publications et des dons de peintures aux musées d'art.

Oncle François est un'joyau' x

Taille de la montagne : Contemporary British Painting is on show at :Pineapple Black, Hillstreet Centre, Middlesbrough TS1 1SU

1 - 30 novembre 2019

Artist ; Stephen Snoddy

Artist in Residence October 20 - 27 : Marion Flanagan 'Works on Paper - Works in Progress'

Flanagan is a Canadian MAFA student at Chelsea School of Art, London (UK); we welcomed her for residential week here at A T E L I E R  M E L U S I N E 20 (21) - 27 October 2019

Flanagan is studying painting and is particularly interested in the languages and syntax artists appear to develop over time, in relationship to their environments, the subjects they chose to work with and from. She pushes her investigation into each painted form and medium gently past the obvious, to produce subtle, works, which flow and dialogue with each other. Her work is sensitive to the material she is using, be that of paper, rubber, concrete or of paint and her physical ability to use and lift it.

During her stay with us Flanagan used the large grenier space to create a body of 19 + works. The paintings she has made for the temporary exhibition ‘ Works on paper - works in Progress’ have been produced and hung in only four days, the materials selected; paper and paint, with the exception of the blotting and tissue papers, all carried by her on the train from London.

The immediate pressures for Flanagan here have been practical; time, space, scale of room, paper and use of acrylic paints and PVA (oil would take too long to dry). The works use mono-printing as well as simple stencil forms which are collaged onto softly brush stroked backgrounds and a particularly deep velvet black paint. They make a very complete set of works, some more resolved than others, some which she might have not shown in a more formal context but which reveal a glimpse of the processes, thinking and the conversations going on inside the artists head, to the viewer. The audience were fascinated and keen to dialogue with her.
The paint is a very particular black made by Stuart Semple in response to (and forbidding use by) Annish Kapoor’s ‘blackest black’ patent. https://geekologie.com/2019/02/the-new-blackest-paint-available-unless.php

Despite an extra night in Paris courtesy of SCNF, due to trains strikes, Flanagan was able to work intensively in the studio, expand a series of developing ideas and create an exhibition and well attended private view in the space of one week - as well as visiting several key cultural locations in the Vienne region and engaging is detailed discussions, around her practice; its inspiration and the life experiences which have driven her to a career in fine art, with A T E L I E R M E L U S I N E ‘s team - : Annett and Annett-Parish. She has considered the works to be studies for larger painted works which we very much look forward to seeing.

www.marionflanagan.com

Artiste en résidence 20 - 27 octobre : Marion Flanagan'Travaux sur papier - Travaux en cours'.

Flanagan est une étudiante canadienne du MAFA à la Chelsea School of Art, Londres (Royaume-Uni) ; nous l'avons accueillie pour une semaine résidentielle ici à A T E L I E R M E L U S I N E 20 (21) - 27 octobre 2019

Flanagan étudie la peinture et s'intéresse particulièrement aux langages et à la syntaxe que les artistes semblent développer au fil du temps, en relation avec leur environnement, les sujets qu'ils choisissent de travailler avec et à partir de. Elle pousse son investigation dans chaque forme et médium peint en passant doucement de l'évident à des œuvres subtiles, subtiles, qui coulent et dialoguent les unes avec les autres. Son travail est sensible à la matière qu'elle utilise, qu'il s'agisse de papier, de caoutchouc, de béton ou de peinture et à sa capacité physique de l'utiliser et de la soulever.

Durant son séjour chez nous, Flanagan a utilisé le grand grenier pour créer un corps de plus de 19 œuvres. Les tableaux qu'elle a réalisés pour l'exposition temporaire "Travaux sur papier - Travaux en cours" ont été produits et accrochés en seulement 4 jours, les matériaux choisis ; papier et peinture, à l'exception des papiers buvards et de soie, tous transportés par elle dans le train depuis Londres.

Les pressions immédiates pour Flanagan ici ont été pratiques ; le temps, l'espace, l'échelle de la pièce, le papier et l'utilisation de peintures acryliques et de PVA (l'huile prendrait trop longtemps à sécher). Les œuvres utilisent aussi bien la monogravure que des formes simples au pochoir qui sont collées sur des fonds légèrement brossés au pinceau et une peinture d'un noir velours particulièrement profond, qui forment un ensemble très complet d'œuvres, certaines plus résolues que d'autres, certaines qu'elle n'aurait pas montrées dans un contexte plus formel mais qui révèlent un aperçu des processus, des pensées et des conversations qui se déroulent dans la tête des artistes et du spectateur.C'est un noir très particulier fait par Stuart Semple en réponse (et pour interdire son utilisation) au brevet'Blackest black' de Annish Kapoor. https://geekologie.com/2019/02/the-new-blackest-paint-available-unless.php

Malgré une nuit supplémentaire à Paris, grâce à la SCNF, grâce aux grèves de trains, Flanagan a pu travailler intensivement dans l'atelier, développer une série d'idées et créer une exposition et une vue privée très fréquentée en l'espace d'une semaine - ainsi que visiter plusieurs lieux culturels clés dans la région de Vienne et engager des discussions détaillées, sur sa pratique, son inspiration et les expériences de vie qui l'ont menée à une carrière artistique, avec A T E L I E R M E L U S I N E E - : Annett and Annett-Parish. Elle a considéré ces œuvres comme des études pour de plus grandes œuvres peintes que nous attendons avec impatience de voir.

Grenier space at A T E L I E R M E L U S I N E www.marionflanagan.com

Day Bowman “Tearing Up the Rule Book – À bas les règles” 05/09/2019 – 20/10/2020

“How old is he?” has been the constant question of visitors to Day Bowman’s exhibition,  ‘Tearing up the Rule Book/ À bas les règles’ at ATELIER MELUSINE, “The artist?”

Above; John Stephens and Day Bowman (seated!) ATELIER MELUSINE

Day Bowman has a gender-neutral name, and so visitors cannot fix a bias, male or female to the work. Clearly, they want to do this and so study the work, the style, syntax, form, colour, tone, scale and energy, they then, all, without exception come to the conclusion that Day is a man. They also assume that ‘he’ is a young man due to the vitality and size of the work, the dynamism of the gestures. It is a curious observation and one which needs further discussion.
Bowman is definitely not a man, she is a an elegant, blonde, post-fifty, woman, she indeed has the vitality, dynamism and energy of a youthful painter, building the canvases with active purpose, but also with thought and experience.

John Stephen’s recent interview with Bowman at ATELIER MELUSINE published in Artlyst, (https://www.artlyst.com/reviews/tearing-rule-book-paintings-day-bowman-atelier-melusine/) gives a detailed analysis of the works exhibited, the influences of other artists; Turner, Twombly, and its place set within the tradition of English 20 and 21st Century abstraction, as well as the legacy of poetry and philosophy that is woven into the surfaces and layers of paint.

Above; Bowman and Stephens in conversation at ATELIER MELUSINE

For me, there are extra dimensions; the temporal and physical spaces they capture. These paintings are renderings of real time(s) and real spaces, some more or less bound than others. The time they hold; years of memories. There is an age of place and a depth of chronology which echoes through the formative regions of a remote (English) childhood, with an absence of people but the presence of landscape. The colours feed me smells, the light trickles in slashes and rays through rain, bleary clouds, mud cast, slippery flats of sand, glistening and sharing the horizon through planes of grey, I can hear the slap of children’s feet on the wet seashore. It is sixty years ago in these places, then forty and also it is now, time stretches forward and then leans back through these paintings with an emotional elasticity which captivates me entirely. They are real spaces which hit me hard, echoing childhood holiday moments of exhilaration. Those seconds of joy as the water rolls up over your toes and ankles just before you learn the real power of the sea, when it tricks you into thinking it is a gentle playmate. Then snatches you away from the solid, gravity bound world, pulls you over and under, tasting salt and stumbling terrified as white foam crashes over you, stones and shingle race from under you, leaving you laughing, sprawled out on the borderland of the elements. Not quite warm enough, scrabbling back up the beach, into scratchy towels and thick itchy woollen jumpers to eat sandy sandwiches and tomato soup from tartan flasks.

Ebb and Flow 2 Day Bowman - Oil and Charcoal on Canvas

This is where these paintings can take me in a flash.

There is also a sadness and a wisdom in parts of Bowman’s work, which generates a strength and rawness. They are spacious, beautiful pieces with a restrained palette; adding more power to the body of works. Others have a playful ease and tranquillity introducing bright blues and yellow ochres against the dark browns, greys and dirty oranges, with hints of rules, suggested by masked grids, or blocked flat sections of flat colour, interrupted with large circles in sticky black charcoal or white oil pastel. They are materially rich, all about the paint, but not just its physicality; the paintings work on the psyche, the spirit and senses with an intentionality which captures just what paint can achieve and fully demonstrating the visceral relevance and resonance it still has today.

Above; Sally Annett, Eva Loubrieu and Day Bowman (ATELIER MELUSINE)

I first saw and selected Day’s work in the noughties, I loved it. Subsequently, I interviewed her as part of the ‘Snakes and Ladders’ (ACE funded) project and here learned of the loss of her son as well as her attachment to particular landscape in the south of England. I have followed her works closely since. I was delighted that Bowman agreed to allow us to show the works in our small gallery in south west France, in 2019, even more so that this year she has gone on to win the Anima Mundi IT’SLIQUID painting prize, The Bath Open and the Welsh Contemporary but, best of all that I finally got to meet HER in person.

Day Bowman “Tearing Up the Rule Book – À bas les règles”

05/09/2019 – 20/10/2020

"Quel âge a-t-il ?" a été la question constante des visiteurs de l'exposition de Day Bowman,'Tearing up the Rule Book/ À bas les règles' chez ATELIER MELUSINE,'L'artiste ?

Day Bowman a un nom non sexiste, et les visiteurs ne peuvent donc pas fixer un préjugé, masculin ou féminin, sur l'œuvre. De toute évidence, ils veulent le faire et ainsi étudier le travail, le style, la syntaxe, la forme, la couleur, le ton, la gamme et l'énergie, ils en viennent tous, sans exception, à la conclusion que Day est un homme. Ils supposent aussi que " c'est un jeune homme en raison de la vitalité et de la taille de l'œuvre, du dynamisme des gestes. C'est une observation curieuse qui mérite d'être approfondie.

Bowman n'est certainement pas un homme, c'est une femme élégante, blonde, post-fifty, femme, elle a en effet la vitalité, le dynamisme et l'énergie d'un jeune peintre, la construction des toiles avec but actif, mais aussi avec la pensée et l'expérience.

L'interview récente de John Stephen avec Bowman chez ATELIER MELUSINE publiée dans Artlyst, (https://www.artlyst.com/reviews/tearing-rule-book-paintings-day-bowman-atelier-melusine/)

présente une analyse détaillée des œuvres exposées, des influences d'autres artistes, de Turner, Twombly et de sa place dans la tradition de l'abstraction anglaise des 20e et 21e siècles, ainsi que de l'héritage de poésie et de philosophie qui est tissé dans les surfaces et couches de peinture.

Pour moi, il y a des dimensions supplémentaires ; les espaces temporels et physiques qu'ils capturent. Ces peintures sont des rendus de temps réel(s) et d'espaces réels, certains plus ou moins liés que d'autres. Le temps qu'ils détiennent ; des années de souvenirs. Il y a un âge de lieu et une profondeur de chronologie qui résonne à travers les régions formatrices d'une enfance lointaine (anglaise), avec une absence de personnes mais la présence de paysages. Les couleurs me nourrissent d'odeurs, la lumière coule dans les rides et les rayons à travers la pluie, les nuages bleus, la boue coulée, les plaines de sable glissantes, scintillant et partageant l'horizon à travers des plans de gris, je peux entendre le claquement des pieds des enfants sur la côte humide. C'était il y a 60 ans dans ces lieux, puis 40 ans, et c'est maintenant que le temps s'étire vers l'avant et se penche ensuite en arrière à travers ces peintures avec une élasticité émotionnelle qui me captive entièrement. Ce sont de véritables espaces qui me giflent, faisant écho à des moments de vacances d'enfance enivrantes. Ces secondes de joie alors que l'eau s'enroule sur vos orteils et vos chevilles juste avant que vous n'appreniez la vraie puissance de la mer, quand elle vous fait croire que c'est un compagnon de jeu doux. Puis vous arrache au monde solide, lié à la gravité, vous arrache au monde solide, vous tire dessus et dessous, goûte le sel et trébuche, terrifié par la mousse blanche qui s'écrase sur vous, les pierres et les galets vous envahissent, vous laissant rire, étendu sur la frontière des éléments. Pas tout à fait assez chaud, en remontant la plage, dans des serviettes éraflées et des pulls épais en laine qui démangent pour manger des sandwichs sablés et de la soupe de tomates dans des flacons en tartan.

C'est ici que ces peintures peuvent m'emmener en un clin d'œil.

Il y a aussi une tristesse et une sagesse dans certaines parties du travail de Bowman, qui génère une force et une brutalité. Ce sont des pièces spacieuses et belles avec une palette sobre, ajoutant plus de puissance à l'ensemble de l'œuvre. D'autres ont une aisance et une tranquillité ludiques en introduisant des bleus vifs et des ocres jaunes contre les bruns foncés, les gris et les oranges sales, avec des notes de règles, suggérées par des grilles masquées, ou des sections plates bloquées de couleur plate, interrompues par de grands cercles en charbon de bois noir collant ou pastel à l'huile blanc. Ils sont matériellement riches, tout sur la peinture, mais pas seulement sur sa physicalité ; les peintures travaillent sur le psychisme, l'esprit et les sens avec une intentionnalité qui capture exactement ce que la peinture peut accomplir et démontre pleinement la pertinence viscérale et la résonance qu'elle a encore aujourd'hui.

J'ai d'abord vu et sélectionné le travail de Day dans les années 90, j'ai adoré. Par la suite, je l'ai interviewée dans le cadre du projet'Snakes and Ladders' (financé par ACE) et j'ai appris ici la perte de son fils ainsi que son attachement à un paysage particulier du sud de l'Angleterre. J'ai suivi ses travaux de près depuis. J'ai été ravi que Bowman ait accepté de nous permettre d'exposer les œuvres dans notre petite galerie du sud-ouest de la France, en 2019, d'autant plus que cette année elle a remporté le prix de peinture Anima Mundi IT'SLIQUID, The Bath Open et le Welsh Contemporary mais, surtout, que je l'ai finalement rencontré en personne.

Traduit avec www.DeepL.com/Translator

ARTLYST Review by John Stephes Tearing up the Rule Book: Paintings By Day Bowman at Atelier Melusine

Delighted to have this wonderful review of Day Bowman's show @ ATELIER MELUSINE. Thank you John Stephens

https://www.artlyst.com/reviews/tearing-rule-book-paintings-day-bowman-atelier-melusine/?fbclid=IwAR0BntEX4DN48BO5-ttM4Eaw_eaKa3iV69kVWtVU8RYIcaLSC5Fe9EGvZ30

Tearing up the Rule Book: Paintings By Day Bowman at Atelier Melusine

20 October 2019 / / Art Tags Atelier Melusine, Day Bowman / / / / /

There’s something very irresistible in Day Bowman ’s abstract paintings, currently showing on two floors of what was once an épicerie/cordoniere and its living space above built into the ruins of the old walls of the ruins of Chateau La Tremouille, in the small town of La Trimouille in Western France. 

It has something to do with the tactility of their surfaces; the way the paint

in its different densities and consistencies asserts its presence; planes of colour having defined edges but then sometimes not; the way it dribbles towards an edge, top or bottom, left or right, depending on its orientation at the time of its painting. There’s the rawness of the way they’re marked with shattering charcoal, scribbled on; something too about the colour, nothing particularly vibrant, just raw mustard ochres, greys and black, rust oranges and watery sky blues, brushed, washed and scumbled onto the canvas.

One immediately senses a familiarity with the aesthetic of Bowman’s works, we seem to be able to read them immediately. Is it through a familiarity with the tradition of British abstract painting that reaches back to Roger Hilton, Peter Lanyon and Patrick Heron? There’s something familiar in the way drawn marks relate to planes of colour and in the palette, all suggesting a relationship to this abstract tradition. Very much in acknowledgment of the integrity and flatness of the picture plane, the intriguing aesthetic of Bowman’s paintings is dependent on the complex articulation of their varied elements within the bounds of the framing edge. Defined and ill-defined planes of colour, drawn and scribbled calligraphic marks, all are the product of the intrinsic qualities of her working materials; paint and charcoal. And all attest to adherence to the tenets of modernist abstract painting, those characteristics of American Abstract Expressionism that became absorbed into British abstraction. Whilst Bowman’s paintings are perhaps not as uncompromising as the American origins of this idiom, she does appear to adhere to their tacit rules.

That Lanyon, Heron and Hilton derived their imagery from visual sources, landscape or the figure, is something that prepares us for Bowman’s paintings, for her works too have an allusion to something experienced outside of painting. All of which amounts to a suggestion of her continuing within a tradition. So how has Bowman torn up the rule book?

In Bowman’s pictures is time[1] writes the poet John Trotman. And time is one of the elements in answering this question. That her paintings take time to make is evident in the rich palimpsests of their surfaces, which carry the histories of their making. “Oils take forever to dry,” she told me, so she usually has two or three paintings on the go at any one time, leaving her time to think about the next step in the paintings. And, whilst within the surfaces of her paintings, there is a slow build-up of the history of the layering of her painting activity, they also hold a certain narrative, perhaps the other part of the answer about the rule book. It’s a narrative accrued over time from things seen and experienced through Bowman’s responsive and discerning eye and translated into marks and motifs. But, it’s something that might have been avoided by those purist abstractionists interested in immediacy.

Writing about her work, the poet, Trotman, invokes the imagery of urban wastelands; gasometers and the entropy of rusting, flaking surfaces, describing how;

The sharp and clean and strong

is scumbled

smudged

rubbed

scribbled

scoured

splashed

and blurred.

And with decay comes colour:

rust’s orange,

like fungus flecks

mustard stain

soured cream. [2]

In some ways, this approach to painting reaches back even further in the history of British painting perhaps to a particular interpretation of the picturesque, a term I apply loosely of course, but nonetheless one that involves a consideration of ‘that which is fit to be made into a picture’ and of ‘having qualities marked by pleasing variety, irregularity, asymmetry and interesting textures’. But, in my interpretation, rather than being drawn from traditional rustic landscape, Bowman finds things of aesthetic interest in the dystopian Edgelands of urban landscape and also in the littoral experiences of a childhood by the seaside exemplified in the Plashy Place series of paintings.

Day Bowman Plashy Place 2  Oil and charcoal on canvas, 152 x 168 cm

Alluding both to the splashing and marking with paint as well as the wateriness of the subject matter, the ambiguity in the title of the series of ‘Plashy Place’ paintings, encapsulates neatly what Bowman’s paintings appear to be about. All the characteristics that have been mentioned are there in ‘Plashy Place 2’; evidence of the orientations of its making with turps-diluted paint running off to the top edge and to the bottom edge; there’s some sort of edificial shape and its angles and edges with a grid superimposed and a black shadowy space beyond, all creating a rich surface upon which pink, orange and black paint marks have loosely been applied. Her signature charcoal drawing appears at different levels of these deposits: almost perfect circles, hand-drawn, seeming to echo one another reverberating out of the blackness of the righthand edge. The crudely drawn cross, reminiscent, she tells me, of drawing on a wet sandy beach, stretching out from the bottom left-hand corner opens up, offering energy into the centre. Somewhere in between and echoing the loose paint marks are tightly drawn scribbles, which I understand form our conversation, are reminiscent of lugworm casts or footprints on the same beaches, remembered from a childhood long ago.

Occupying a central position in the upstairs gallery, Pashy Place1 is the largest painting in the show. Its landscape format is proportionally slightly wider than the other paintings, which tend to be closer to an off-square format. It establishes the characteristics of the series and tells us something about the way Bowman works. First mapping the essential shapes out on the canvas, she then sets about the process of laying down the deposits of paint and marks. Here though, there is less of a hint of an architectural motif, instead, the surface is crisscrossed by an irregular gridded structure, more map-like, offering a framework for the composition, which then starts to be asserted with the loosely painted areas of orange and black. The palette is in keeping with that of ‘Plashy Place 2’ but with the absence of the pink and with a more nuanced range of rusty oranges. That’s because in her working in series, she mixes up a set of colours that she’s going to use and then adds to them as they get low and typically, she will carry colour over from one painting to the next. Calligraphically drawn marks in paint, conté crayon and charcoal seem to be both embedded in the surface and drawn on it, giving a reading of shallow depth. That Bowman is an admirer of Cy Twombly is perhaps most evident in this work as the marks resemble attempted messages rather than excavations into the surface. It’s interesting the way the white and the black work in this painting in that they, at the same time, push forward on the surface and retreat back allowing the other deposits of marks and colour to operate freely in the shallow space.

Day Bowman Plashy Place 1

Returning to her squarer format in ‘Plashy Place 3’ an off-center white rectangle, acting as a spatial marker, takes its cue from the large area of white in ‘Plashy Place 1’, perhaps more assertively. It floats in front of a grey washed ground while thinned white paint runs upwards from its top edge to the edge of the painting leaving a flocculated grey mist to cover some black underpainting. Various washes of pink, grey and orange intermingle and flow towards the bottom edge of the painting; they all seem to be the residues from the more intense painting activities that have taken place in the centre of the painting. The flow in each direction seems to fix the gravity of the painting and steady it to allow the little dramatic narrative of scumbled paint marks and scribbled charcoal to play across the centre where the underlying white rectangle barely seems to be able to contain the energy that pushes laterally outwards, bumping up against the righthand framing edge, whilst at the other end the vigorously painted patch of thicker white paint reaches towards the left framing edge. Meanwhile, the brushy black paint laid over a watery blue in the top left corner maintains a less energetic secondary dialogue with the drawn circular motif in the bottom right-hand corner.

Included in this show is a number of smaller paintings that make up a significant part of Bowman’s Plashy Place series. The dimensions of the larger paintings are well-conceived as an arena for the fairly complex articulation that goes on within them. So, the smaller works, which Bowman titles as studies are accordingly and appropriately simpler in their compositions.

In many ways the purpose of a study is to test ideas and, with both Study 2 and Study 4 this is the case. The essential feature of both paintings is a sharply defined black motif presumably created by masking off areas of the canvas to allow for Bowman’s typically fluid painting to be applied. While the paint is more densely applied in Study 2 it’s more fluid in Study 4 where the paint has been allowed to run and dribble. Despite their small size both paintings are pretty powerful, largely because of the aggressiveness of their motifs. Study 2, with its allusion to some sort of abandoned industrial ratchet-like structure or perhaps a ground plan or castellation, Study 4, possibly alludes to the silhouette of some concrete edifice. But, in each of the two, their severity is mitigated by the more playful loosely applied pink paint. Both    these paintings read as visual haikus to the more visually epic poetry of Bowman’s larger paintings and it’s highly likely that having tested them, motifs such as these, will find their way into those larger compositions at some time.

All these paintings typify Bowman’s current work and show her adeptness in their formal organisation, the slow build-up of a painterly surface, her energy and inventiveness in the painted and drawn marks that focus our attention. They demonstrate Bowman’s passion and joy in the handling of her medium. But, more than that, she’s established her own painterly syntax with a succinct visual vocabulary. We sense a profound authenticity in these paintings and she awakens in us viewers an ability to read them aesthetically allowing her to invoke in us a sense for things seen and experienced.

Is this perhaps where Bowman tears up the rule book? For, in what may be seen as abstract paintings, she seems to break the strict rules of abstraction, those that rule out figuration, offering a telling of her experiences.

Day Bowman Pashy Place 3 Oil paint, conté crayon and charcoal on canvas, 152 x 168 cm

Whilst a case can be made for her adhering to the formalist rules of modernist abstract painting as Bowman has kept within certain rule boundaries, there is also a case for her work being part of a tradition that involves embedding aesthetic experiences of the world into painting – the picturesque and in this sense she hasn’t torn up the rule book. But, a syntactical interpretation of tearing up the rule book implies a continuous process and, in my view, she has very much been part of that process. It’s a view that is held in contemporary thinking about painting, that there are no longer any rules. Thankfully though, she still observes many of the conventions, as we can see, but what marks her out as a painter of such authenticity is her recognition of her part in the process of abandonment, freeing her imaginative intellect and her painterly skill to create such engaging paintings.

Day Bowman is currently showing at Atelier Melusine, la Trimouille, 86290 Poitou-Charente, France. 5 September to 20 October 2019 and was awarded First Prize in the Anima Mundi International Painting Prize for Venice Biennale 2019 and First Prize for the Bath Arts Open 2019

Tearing up the Rule Book: paintings by Day Bowman at Atelier Melusine, la Trimouille, Poitou-Charente, France. September/October 2019

Top Photo: Study 2 (left) and Study 4 (right), Plashy Place Series (Top Photo)

Oil paint and charcoal on canvas, 45 x 30 cm and 45 x 50 cm

Words: John Stephens October 2019 © Artlyst 2019

[1] John Trotman, Both Brittle and Beautiful in Both Brittle and Beautiful, Poems by John Trotman, Moat Sole Publishing, Sandwich, Kent 2015

Sky, paint and place - James Teschner – A New Yorker in the Indre

The skies of the Indre in the north east of Nouvelle Aquitaine change rapidly and spectacularly over a rural and temperate agricultural landscape. It does not have the immense geographic features of the French Alps or Pyrennees, it has fields of beans, corn, sunflowers and woodland; reminiscent of an English landscape of seventy years ago, excepting that it has deep rocky river valleys, which housed cave dwellers, then roman shrines, connected by long straight roman roads, then castles, churches and abbeys, ten a penny. Today the nuclear power stations at Civaux, once a vast shrine and necropole dominate the horizon.

The region has strong seasons and the skies change with them, bright blues in summer, steely intense greys in winter and puffy, fluffy, stormy, icy clouds in spring and autumn, my favourites are the herring bone skies which wrap the houses in brilliant diffused light like folded cotton wool. Glorious sunsets fade into evenings where the milky way is entirely visible on clear nights. Spring is green, summers hot and golden, autumns a mass of colour leading into cold, damp winters all touched with winds from the Mediterranean and the Russian steps.

In this landscape, Teschner paints. For fifteen years, he has journeyed, each evening travelling a few miles from his home to the same place, up a chemin, in a field facing west, to paint the sun as it sets. He will stand for hours, examining, scrutinising the light, the horizon as it disappears into darkness through morphing, fading light. It is an act of contemplation and concentration, obsession and intellectual conflict, an active meditation. It is not solely about the landscape or the paint. It is an ongoing dialogue between subject, object and medium which Teschner mediates.

Sometimes it is the light, the colour and the tones which, take precedent, at other points it is form and landscape which push through; a constant battle between the solid earth and nebulous sky, the diminishing horizon, always unreachable, always an illusion.

Teschner can focus on the sun, melting and dripping through the clouds, the paint, rich and thick, abstracted, sometimes hazy echoing Turner, Moreau or Redon, at others solid planes of colour, both dark and light frame abstracted light sources with flat, glossy sections be it the setting sun or gleaming moon. It is the paint that matters, how it describes space, the gestures and suggestions it references and the changes it conceals.

Simaltaneously, Teschner is aware of the context within the history of art, particularly painting, critically questioning the contemporary nature of his work and the role of painting in the 21st C. His methodology is fundamental to his practice; how he uses particular techniques, marks, the tools and supports he specially constructs, scale; all his works are currently small and of a regular size.

He often paints a single painting over several evenings, building up the image in layers, standing, studying the fading light and then the dark. The images are evocative, their depth hold the smells and sounds as well as the sights of this specific piece of land. The site, the paint and Teschner himself have remained the only constant in this body of work. The light, flora and fauna changing endlessly over fifteen years of being in in this place.

The works in his studio, and in exhibition are shown as a group, so that they work as individual artworks in a larger body of works, but also as a single body of multiples. Treschner creates beautiful, subtle works of a landscape but also a landscape of works. One feels that these landscapes document an internal space as well the external, and that neither are fixed nor the exploration of these spaces finished.
I hope that they will continue to be unresolved for many more years.

Teschner’s new works will be shown at ADA Gallery in Richmond, Virginia in the spring of 2020.

jamesteschner.com

Ciel, peinture et lieu - James Teschner - New Yorker à L’Indre

Le ciel de l’Indre, au nord-est de la Nouvelle Aquitaine, change rapidement et spectaculairement dans un paysage agricole rural et tempéré. Il n'a pas les immenses caractéristiques géographiques des Alpes françaises ou des Pyrénées, il a des champs de haricots, de maïs, de tournesols et de bois ; il rappelle un paysage anglais d'il y a soixante-dix ans, sauf qu'il a de profondes vallées rocheuses, où vivaient des cavernes, puis des sanctuaires romans, reliés par de longues routes droites, puis châteaux, églises et abbayes, dix cents. Aujourd'hui, les centrales nucléaires de Civaux, autrefois vaste sanctuaire et nécropole, dominent l'horizon.

La région a des saisons fortes et le ciel change avec elles, des bleus éclatants en été, des gris intenses en hiver et des nuages bouffis, duveteux, orageux et glacés au printemps et en automne, mes préférés sont les ciels d'os de hareng qui enveloppent la maison dans une lumière diffuse brillante comme du coton plié. Les glorieuses couchers de soleil s'estompent en soirées où la voie lactée est entièrement visible les nuits claires. Le printemps est vert, les étés chauds et dorés, les automnes d'une masse de couleurs menant à des hivers froids et humides, tous touchés par les vents de la Méditerranée et les marches russes.

Dans ce paysage, Teschner peint. Depuis une quinzaine d'années, il parcourt chaque soir, à quelques kilomètres de chez lui, un chemin dans un champ orienté à l'ouest, pour peindre le soleil qui se couche. Il se tiendra debout pendant des heures, examinant, scrutant la lumière, l'horizon qui disparaît dans les ténèbres par morphing, la lumière qui s'estompe. C'est un acte de contemplation et de concentration, d'obsession et de conflit intellectuel, une méditation active.

Il ne s'agit pas seulement du paysage ou de la peinture. C'est un dialogue permanent entre le sujet, l'objet et le médium que Treschner sert de médiateur.

Parfois c'est la lumière, la couleur et les tons qui prévalent, en d'autres points c'est la forme et le paysage qui s'imposent ; une bataille constante entre la terre ferme et le ciel nébuleux, l'horizon décroissant, toujours inaccessible, toujours une illusion.

Teschner peut se concentrer sur le soleil, fondant et s'égouttant à travers les nuages, la peinture, riche et épaisse, abstraite, parfois brumeuse, faisant écho à Turner, Moreau ou Redon, parfois sur des plans solides de couleur, à la fois sombres et clairs, encadrant des sources de lumière abstraites avec des sections plates et luisantes que ce soit le soleil couchant ou la lueur luisante. C'est la peinture qui compte, comment elle décrit l'espace, les gestes et les suggestions qu'elle évoque et les changements qu'elle cache.

Simultanément, Teschner est conscient du contexte de l'histoire de l'art, en particulier de la peinture, questionnant de façon critique la nature contemporaine de son œuvre et le rôle de la peinture au XXIe siècle. Sa méthodologie est fondamentale pour sa pratique ; comment il utilise des techniques particulières, des marques, des outils et des supports qu'il construit spécialement, à petite échelle et de dimensions régulières, toutes ses œuvres sont actuellement.

Il peint souvent un seul tableau sur plusieurs soirées, construisant l'image en couches, se tenant debout pour étudier la lumière qui s'estompe, puis l'obscurité. Les images sont évocatrices, leur profondeur retient les odeurs et les sons ainsi que les vues de cette parcelle de terre spécifique. Le site, la peinture et Treschner lui-même sont restés la seule constante de cette œuvre. La lumière, la flore et la faune changent sans cesse au cours des quinze années passées dans ce lieu.

Les œuvres de son atelier et de son exposition sont présentées en groupe, de sorte qu'elles fonctionnent en tant qu'œuvres individuelles dans un ensemble plus large d'œuvres, mais aussi en tant qu'ensemble unique de multiples. Teschner crée de belles et subtiles œuvres d'un paysage, mais aussi un paysage d'œuvres. On sent que ces paysages documentent à la fois un espace intérieur et un espace extérieur, et que ni l'exploration de ces espaces n'est figée ni achevée.

J'espère qu'elles resteront sans solution pendant de nombreuses années encore.

Les nouvelles œuvres de Teschner seront exposées à la galerie ADA à Richmond, en Virginie, au printemps 2020.

jamesteschner.com

John Stephens @ ATELIER MELUSINE - A very heavy suitcase

My friend and colleague John Stephens arrived on 05/09/19 for the launch of ‘Tearing Up the Rule Book’ ‘A Bas A Regles’ paintings and new works by Day Bowman featured in our exhibitions page. I had invited John to come to review the show but also to come and work in the studio spaces after his solo exhibition at the Saturation Point Sunday Salon in July.

Above. Indigo, Greenearth, Pink. Stephens. Saturation Point Salon. Studio 14 ACME Studios, 165 Childers Street, Deptford SE8 5JR. July 14 2019 for two weeks.

Stephens writes: “With a focus on colour, a particular interest in abstraction and in the processes of painting itself, my work draws on an aesthetic derived ultimately from the constructivism of Malevich but also from minimalism and the colour field abstraction of the 1960s and early 1970s. I am primarily interested in exploiting the potential for creating a visual poetry within a ‘pared down’ aesthetic, using simple articulations of planes of colour.”

I was aware that he had some ideas he wished to think through and was delighted that he brought with him a selection of his handmade pigements which can only be described as delicious. They looked edible and are mixed from raw pigment and gum arabic making gloriously rich watercolours.
The photographs below show a sample of the colours which filled a large proportion of his suitcase and sadly all returned to the UK with John.

For reading on sourcing and the history of pigments I recommend Victoria Finlay ‘Colour - Travels Through the Paint Box’ 2003. Hodder and Staughton.

We are looking forward to Johns upcoming article on Bowmans work.

John Stephens @ ATELIER MELUSINE - Une valise très lourde

Mon ami et collègue John Stephens est arrivé le 05/09/19 pour le lancement de'Tearing Up the Rule Book''A Bas A Regles' paintings and new works by Day Bowman featured in our exhibitions page. J'avais invité John à venir revoir l'exposition mais aussi à venir travailler dans les ateliers après son exposition personnelle au Salon du dimanche de Saturation Point en juillet.

Stephens écrit : "Avec un accent sur la couleur, un intérêt particulier pour l'abstraction et les processus de la peinture elle-même, mon travail s'inspire d'une esthétique dérivée finalement du constructivisme de Malevich mais aussi du minimalisme et de l'abstraction du champ coloré des années 1960 et du début des années 1970. Je m'intéresse principalement à l'exploitation du potentiel de création d'une poésie visuelle au sein d'une esthétique "épurée", en utilisant des articulations simples de plans de couleurs."

Je savais qu'il avait des idées auxquelles il voulait réfléchir et j'étais ravi qu'il ait apporté avec lui une sélection de ses pigments faits à la main que l'on ne peut que qualifier de délicieux. Ils avaient l'air comestibles et sont mélangés à partir de pigments bruts et de gomme arabique, ce qui donne des aquarelles d'une richesse éclatante.

Les photos ci-dessous montrent un échantillon des couleurs qui ont rempli une grande partie de sa valise et sont malheureusement toutes rentrées au Royaume-Uni avec John.

Pour la lecture sur l'approvisionnement et l'histoire des pigments, je recommande Victoria Finlay'Colour - Travels Through the Paint Box' 2003. Hodder et Staughton.

Nous attendons avec impatience le prochain article de Johns sur le travail de Bowmans.

Traduit avec www.DeepL.com/Translator

ANIMA MUNDI / ITSLiquid Venice 2019. 58 Biennale - Mezzotint - Annett ' Tree of Life'

Normally I am busy curating and writing about the practice of the fantastic artists, performers, writers, scientists, philosophers, musicians and academics we work with here in France - when I have time I am continuing my own practice and have been lucky enough to have work included in the exhibition ‘Consciousness’, currently showing at PALAZZO CA ZANARDI as part of the ANIMA MUNDI Festival.

Normalement, je m'occupe de la conservation et de l'écriture sur la pratique des fantastiques artistes, interprètes, écrivains, scientifiques, philosophes, musiciens et universitaires avec lesquels nous travaillons ici en France - quand j'ai le temps, je continue ma propre pratique et j'ai eu la chance de voir mon travail inclus dans l'exposition'Conscience', actuellement présentée au PALAZZO CA ZANARDI dans le cadre du festival ANIMA MUNDI.

KATY ASHCROFT @ ATELIER MELUSINE 17/08/2019

https://www.lanouvellerepublique.fr/vienne/commune/la-trimouille/premier-concert-pour-katy-ashcroft?fbclid=IwAR1cuYx5SWkrOMWNRw9r7EgJBGTj2RpOJbi_hAbPGo-ogxkff-UZTdZxsow

An intimate, intense and packed gig by this beautiful francophile singer and songwriter, Katy Ashcroft. Dedicated to the memory of our friend and colleague Beverly Pettit. The wind was too strong on the evening of August 17 to set the performance in the roof gardens so the printroom became a ‘tiny desk’ style venue. With dark and melancolic pieces and sweat trickling down our backs as we drank our wine it was an unforgettable evening. Katy will be back in 2020.

Un concert intime, intense et plein à craquer de cette belle auteure-compositrice-interprète francophile, Katy Ashcroft. Dédié à la mémoire de notre amie et collègue Beverly Pettit. Le vent était trop fort le soir du 17 août pour que le spectacle se déroule dans les jardins sur le toit, de sorte que la salle d'impression est devenue un lieu de style " petit bureau ". Avec des morceaux sombres et mélancoliques et de la sueur sur le dos pendant que nous buvions notre vin, ce fut une soirée inoubliable. Katy sera de retour en 2020.

Review of 'I Much Prefer the Mundane' Alain Guillon

Lovely article by Alain Guillon for us again in La Nouvelle Republique - we will never forget this magical evening

https://www.lanouvellerepublique.fr/vienne/commune/la-trimouille/deux-vernissages-a-l-atelier-melusine?fbclid=IwAR0fSOFMZ4_ghUkhiuwRtRyX__23T-MLfrB-Y5a7c__mhl_ctnGhj1Pvo-k

Lucy Perkins and Jonas Read in an improvised jam session in the gardens of the ATELIER MELUSINE 19.07.19

Film review : La Peau sur les Maux

La Peau sur les Maux
An evening with the director and actors at the Cinema Etoile La Trimouille, Saturday 25th May 2019

A film by Olivier Goujon
When I arrived at the cinema there were slightly more people than usual in the tiny red space that is, for me one of the most important cultural sites in the area; Cinema L’etoile La Trimouille. It is generally guaranteed that there will be a very liberal choice of seating, although occasionally the tickets are booked out fully in advance, if there is a film which has been made on location nearby. So, although it must have seemed a little disappointing turn out for the Goujon’s and supporting actor Florent Germain, who briefly introduced the film, it was in fact a good and very interested audience.

The film was billed as a family mystery drama, the translation of the synopsis reads “While business is doing very well for the Denom family, they decide to go away for their annual weekend in their country house. However, they had not counted on the unexpected arrival of their brother-in-law Samuel, of whom they had had no news since his wife's tragic death last year. Even though he is in a wheelchair, unable to move anything other than a hand, there are still far too many criticisms (arguments), secrets, money, mistakes and very strange happenings which are gradually resurfacing.”
After a very dark, almost cartoonesque opening scene of Samuel on the point of suicide. Samuel is played by Goujon, and I very much wondered if his introduction, just before the suicide scene interfered with the suspension of belief I would normally have with a film. It may have been better to have another cast member, perhaps Germain, whose role is not so intense and immediate, give the opening welcome. As the contrast between the very likeable communicative Goujon in person, and the suicidal Samuel was very defined.
After the initial scene it clearly becomes a very dark comedy piece and actor Jean Michel Hautin (Vincent Denom) steals the show from beginning to end, his naturalistic humour and onscreen charisma just eminently watchable and (for me) the strongest performance of the piece, which has several very strong performances.


The plot, or rather interpersonal familial dramas unravels in the large, timbered holiday home; the main location for the film, which in the debate afterwards we learnt was Goujons’ grandmother’s holiday home just south of Paris. The film storyline flicks back and forth in time, using the simple but effective device of changing from full colour to a sepia tone effect, as we watched the family disloyalties and deceptions, abuses and cruelties spill out as bottle after bottle of wine and spirits are consumed around the family table. Cigarettes and alcohol also play leading roles in the piece, as devices to create action, tragedy and plot continuation – much as they do in real life it seems, for me I wondered about the writer and director’s relationship with his family and with the demon drink – Denom being an anagram of Demon in English.
My novice French did not quite allow me to follow, in detail, the dialogue and explanation of the ‘reveal’ as to why the seemingly wheelchair bound Samuel, played by director Goujon, had managed to trick the family out of several million euros, nor why exactly their daughter, and his on screen and off screen wife, the very photogenic Virginie Goujon had taken her own life (in the film not reality). Yet, despite my language barrier it was a strong enough visual narrative for me to get the concept, the film rolled on, I did not get bored and although pre-guessing that the white and black stones, being left around the house, belonged to Samuel and that it was he who was wrecking revenge, it kept my interest and attention. With themes of sexuality, stress and acute gender stereotyping causing underlying rage, it reminded me in places of Dunbar’s ‘Rita, Sue and Bob Too’ (1987), in humour and rawness. In places felt of a similar era due to sound quality, lighting and editing, which sometimes seemed a little simplistic or unpolished in an age of CGI and digitally edited everything. It managed to surprise and shock me in a few places, when my interpretations of empathy, good, evil and socially and sexually nomian behaviours were challenged. It concluded neatly and positively, everyone (except perhaps Virginie’s) character revenged or appeased very neatly.

What shocked me most was the discussion afterwards.

The audience was small, and were all absorbed by the film, so it was a polite and slightly overawed response as the lights went up and we came back to reality. It is a very unusual experience to have the actors there in front of you. Goujon and Germain explained that they had spent a year making the work and their company had volunteered all of their professional time, that everyone had doubled up on camera, make-up, acting, directing and in fact every element of the construction of the film. The Goujon’s children, who had driven the three hours to La Trimouille with them had worked on the film too (as my own children have done with all our art projects) in disbelief we heard that the piece had taken 56 days film over the course of the year and had cost (so I thought I heard) 200,000 euros to make, a snip in these days of multi-million dollar movies. Goujon explained and his film company are an association and they wish to inspire and support other associations and groups around France to begin making films. I was and am, very inspired, having just launched our new cultural association. After the screening I waited to speak briefly with Virginie Goujon to congratulate her, she is incredibly beautiful on screen and has a star quality like Hautin but was perhaps a little under-used/underwritten in this piece. I asked again about the methodology and cost. I asked how they had managed to bring in the completed film for 200,000 euros and she corrected me and said no – only 2,000 euros. I think I questioned and exclaimed at least five more times this figure before wishing them a safe journey home (wondering and hoping that the Mother’s Day celebrations that they were heading for were rather different to the family gathering we had just witnessed!).

Hautin with a show stealing performance

This was the shock. It is a truly incredible feat. Whilst the time volunteered by the actors and editing and filming time in kind would in real terms have amounted to thousands, the cash spend was 2,000.I am still gob smacked and think it a marvelous challenge to us all in this digital and visual age.
I wondered – if we had not had the actors and directors there, and the introduction at the beginning whether I would even have commented on the sound quality, or just thought it a deliberately retro-realist feel. I think I would not have. Censi Annett-Henry start writing that script!
The Goujon’s next film, also starring Olivier Goujon is called ‘The Frenchman” and is inspired by the overwhelming cultural dominance of American superhero films and is about a French, transvestite superhero on a mission to save the world. I cannot wait for it come to La Trimouille and we will welcome the Goujons and OG Films to stay with us at Atelier Melusine for a new collaboration!

La Peau sur les Maux is made by OG Films and distributed by Fetizicnema.

La Peau sur les Maux

Une soirée avec le réalisateur et les acteurs au Cinéma Etoile La Trimouille, samedi 25 mai 2019

Un film d'Olivier Goujon

the family table

Quand je suis arrivé au cinéma, il y avait un peu plus de monde que d'habitude dans le petit espace rouge qui est, pour moi, l'un des sites culturels les plus importants de la région, le Cinéma L'etoile La Trimouille. Il est généralement garanti qu'il y aura un choix très libéral de sièges, bien qu'occasionnellement les billets soient réservés à l'avance, s'il y a un film qui a été tourné sur place à proximité. Donc, bien que cela ait dû sembler un peu décevant pour Goujon et de soutien Florent Germain, qui a brièvement présenté le film, c'était en fait un bon public et très intéressé.

Le film a été présenté comme un drame familial mystérieux, la traduction du synopsis dit : "Alors que les affaires vont très bien pour la famille Denom, ils décident de partir pour leur week-end annuel dans leur maison de campagne. Cependant, ils n'avaient pas compté sur l'arrivée inattendue de leur beau-frère Samuel, dont ils n'avaient eu aucune nouvelle depuis la mort tragique de sa femme l'année dernière. Même s'il est en fauteuil roulant, incapable de bouger autre chose qu'une main, il y a encore beaucoup trop de critiques (arguments), de secrets, d'argent, d'erreurs et d'événements très étranges qui refont surface progressivement."

Après une première scène très sombre, presque caricaturale, de Samuel sur le point de se suicider. Samuel est joué par Goujon, et je me demandais beaucoup si son introduction, juste avant que la scène du suicide n'interfère avec la suspension de la croyance que j'aurais normalement eu avec un film. Il aurait peut-être été préférable qu'un autre membre de la distribution, peut-être Germain, dont le rôle n'est pas si intense et immédiat, accueille l'ouverture. Comme le contraste entre le très sympathique Goujon communicatif en personne, et le suicidaire Samuel était très défini. Après la scène initiale, il devient clairement une comédie très sombre et l'acteur Jean Michel Hautin (Vincent Denom) vole le spectacle du début à la fin, son humour naturaliste et son charisme à l'écran sont éminemment visibles et (pour moi) la performance la plus forte de la pièce, qui a plusieurs performances très fortes. Tandis que l'intrigue, ou plutôt les drames familiaux interpersonnels, se déroule dans la grande maison de vacances à colombages ; le lieu principal du film, que nous avons appris dans le débat qui a suivi, était la maison de vacances des grands-mères de Goujons juste au sud de Paris. L'intrigue du film fait un va-et-vient dans le temps, utilisant le dispositif simple mais efficace de passer d'une couleur pleine à un effet sépia, alors que nous regardions les déloyautés et les déceptions, les abus et les cruautés de la famille se répandre à chaque bouteille de vin et de spiritueux consommés autour de la table familiale. Les cigarettes et l'alcool jouent également un rôle de premier plan dans la pièce, en tant que dispositifs pour créer l'action, la tragédie et la suite de l'intrigue - tout comme ils le font dans la vie réelle, semble-t-il, je me suis interrogé sur la relation de l'auteur et réalisateur avec sa famille et avec la boisson du démon - Denom étant un anagramme du Démon en français.

Mon français novice ne m'a pas tout à fait permis de suivre, en détail, le dialogue et l'explication de la " révélation " sur la raison pour laquelle le Samuel en fauteuil roulant, joué par le réalisateur Goujon, avait réussi à piéger la famille sur plusieurs millions d'euros, ni pourquoi exactement leur fille, et sa femme sur et hors écran, la très photogénique Virginie Goujon avait pris sa vie (dans le film pas la réalité). Pourtant, malgré la barrière de la langue, c'était un récit visuel assez fort pour que j'obtienne le concept, le film roulé, je ne m'ennuyais pas et bien que je devine que les pierres blanches et noires, laissées dans la maison, appartenaient à Samuel et que c'était lui qui détruisait la revanche, cela a retenu mon intérêt et mon attention. Avec des thèmes de sexualité, de stress et de stéréotypes sexuels aigus causant la rage sous-jacente, il m'a rappelé dans des lieux de Dunbar'Rita, Sue et Bob Too' (1987), l'humour et la cruauté. Dans des endroits ressentis à une époque similaire en raison de la qualité sonore, l'éclairage et le montage, qui parfois semblait un peu simpliste ou non poli à l'ère du CGI et tout édité numériquement. Il a réussi à me surprendre et à me choquer à certains endroits, lorsque mes interprétations de l'empathie, du bien, du mal et des comportements sociaux et sexuels nomades ont été remises en question. La conclusion fut nette et positive, tout le monde (à l'exception peut-être de Virginie) se vengea ou s'apaisa de manière très nette.

Ce qui m'a le plus choqué, c'est la discussion qui a suivi.

Le public était petit et tout le monde était absorbé par le film, c'était donc une réponse polie et légèrement exagérée quand les lumières se sont allumées et que nous sommes revenus à la réalité. C'est une expérience très inhabituelle d'avoir les acteurs devant soi. Goujon et Germain expliquent qu'ils ont passé un an à faire le travail et que leur compagnie a donné bénévolement tout leur temps professionnel, que tout le monde a doublé à la caméra, au maquillage, au théâtre, à la réalisation et en fait à chaque élément de la construction du film. Les enfants Goujons, qui avaient conduit les trois heures de route jusqu'à La Trimouille avec eux, avaient aussi travaillé sur le film (comme mes propres enfants l'ont fait avec tous nos projets artistiques), incrédules, nous avons entendu dire que le film avait pris 56 jours au cours de l'année et avait coûté 200 000 euros (je croyais avoir entendu) à faire, un petit coup dans ces jours de cinéma de plusieurs millions. Goujon et sa société cinématographique sont une association et ils souhaitent inspirer et soutenir d'autres associations et groupes à travers la France pour commencer à faire des films. J'étais et je suis, très inspirée, d'avoir lancé notre nouvelle association culturelle. Après la projection, j'ai attendu de parler brièvement avec Virginie Goujon pour la féliciter, elle est incroyablement belle à l'écran et a une qualité de star comme Hautin mais elle a peut-être été un peu sous-utilisée dans cette pièce. J'ai de nouveau posé des questions sur la méthodologie et le coût. J'ai demandé comment ils avaient réussi à ramener le film terminé pour 200 000 euros et elle m'a corrigé et m'a dit non - seulement 2 000 euros. Je crois que j'ai questionné et exclamé au moins cinq fois ce chiffre avant de leur souhaiter un bon retour à la maison (en me demandant et en espérant que les célébrations de la fête des mères auxquelles ils se dirigeaient étaient assez différentes de la réunion de famille dont nous venions d'être témoins !)

C'était le choc. C'est vraiment un exploit incroyable. Alors que le temps consacré bénévolement par les acteurs et le temps de montage et de tournage en nature se serait élevé en termes réels à des milliers de personnes, les dépenses en espèces se sont élevées à 2 000 personnes.

Je me suis demandé - si nous n'avions pas eu les acteurs et les metteurs en scène et l'introduction au début - si j'aurais même commenté la qualité du son, ou si j'aurais simplement pensé que c'était délibérément rétro-réaliste. Je pense que je ne l'aurais pas fait. Censi Annett-Henry commence à écrire ce script !
Le prochain film de Goujon, avec Olivier Goujon, s'intitule " Le Français " et s'inspire de l'écrasante domination culturelle des films de super-héros américains et parle d'un super-héros français travesti en mission pour sauver le monde. J'ai hâte qu'il vienne à La Trimouille et nous accueillerons les Goujons et OG Films à l'Atelier Melusine pour une nouvelle collaboration !

La Peau sur les Maux est réalisé par OG Films et distribué par Fetizicnema.

Traduit avec www.DeepL.com/Translator

The uncut - unedited film of Temporal Traces Magical Manuscripts - Coptic Magical Papyri and Luis Calero

https://www.youtube.com/watch?v=1fbtXu6X34Q&feature=youtu.be
https://www.youtube.com/watch?v=1fbtXu6X34Q&feature=youtu.be

Temporal Traces Magical Manuscript Video Uncut Shown in the Crypt Space in Atelier Melusine. La Trimouille 86290 France The full video for the Temporal Traces Magical Manuscripts. Images by Korshi Dosoo of the Coptic Magical Papyri, Music/Sound Luis Calero. The Hymn to Typhon and The Oxhyrhynchus Hymn The Hymn to Typhon Manuscript: Bibliothèque Nationale Suppl. Grec. 574 = PGM IV (lines 261-273) and The Oxhyrhynchus Hymn Manuscript: P. Oxy. XV 1786 Origin of papyrus: Oxyrhynchus (modern Bahnasa), Egypt Date of papyrus: 3rd century CE Performed by: Luis Calero Origin of papyrus: Thebes (modern Luxor), Egypt Date of papyrus: 4th century CE Performed by: Luis Calero

Copyright Annett, Dosoo, Calero, Coptic Magical Papyri

Still from Annett’s solo performance in the crypt space

Balades des Artistes parti deux - 31 / 05 / 2019

A great night in La Trimouille with a packed turnout across the three gallery spaces. The Balades are biannual and the next event, Balades des Artiste 3 will be held in December 2019

Below John Day (Dayart) and Veronique Pouget (L’atelier Vero) with Annett in L’atelier Melusine infront of the copper plates by Serge Arnoux inspired by William Blakes ‘Proverbs of Hell’ and colour reprints by Robert Campbell Henderson.

Pimms and Egg sandwidges along with Temporal Traces Magical Manuscripts

Coptic Magical Papyri and William Blake’s Illustrations of the Bible

Temporal Traces Magical Manuscripts deuxieme vernissage along with Balade des Artistes partie deux

Friday provides a second vernissage opportunity to see the exhibition ‘Temporal Traces Magical Manuscripts’ which include the prints of Serge Arnoux, William Blake, Robert Campbell Henderson music and poetry of Luis Calero, Hugh McMillan as well as the tracings of Coptyic Magical Papyri, Korshi Dosoo and Raquel Martín Hernández .

With etchings, engravings, film, amination, sound works, sculpture, poetry and installations at Atelier Melusine you can also walk to the two other arts venues in La Trimouille, Atelier Vero and Dayart.

Each venue will be serving a speciality dish for this start of summer - we are being encouraged to celebrate an English summer (no little irony) so there will Pimms cup and egg sandwidges a plenty.

18.30 - 20.30

MORE IMPORTANTLY
This show is incredible and provides very rare opportunities to see ancient coptic manuscripts, alongside original copper etching plates and experience contemporary and digitised interpretations of the works as well as hearing the incredble interpretations of some of the oldest hymns known to the western world recreated by Spanish singer Luis Calero in a 12th ruined castle.

Dont miss out I am consistantly excited and inspired by the complexity and research behind this work

Association Status en France :)

More images from the opening vernissage, lectures and workshop for Temporal Traces Magical Manuscripts